Γιατί οι σύγχρονοι αποκαλούσαν τον Βέρντι τον μαέστρο της ιταλικής επανάστασης. Η ζωή και το έργο του Τζουζέπε Βέρντι

Όπερα του Τζουζέπε Βέρντι: μια γενική επισκόπηση.

Όνομα παραμέτρου	Εννοια
Θέμα άρθρου:	Όπερα του Τζουζέπε Βέρντι: μια γενική επισκόπηση.
Ρουμπρίκα (θεματική κατηγορία)	Ιστορία

Το έργο του Βέρντι είναι το αποκορύφωμα στην εξέλιξη της ιταλικής μουσικής του 19ου αιώνα. Του δημιουργική δραστηριότητα, που σχετίζεται κυρίως με το είδος της όπερας, διήρκεσε περισσότερο από μισό αιώνα: η πρώτη όπερα (ʼʼOberto, Count Bonifacioʼʼ) γράφτηκε από τον ίδιο σε ηλικία 26 ετών, η προτελευταία (ʼʼOthelloʼʼ) - στα 74, η τελευταία - στα 80 (! ) χρόνια. Συνολικά, λαμβάνοντας υπόψη έξι νέες εκδόσεις παλαιότερα γραμμένων έργων, δημιούργησε 32 όπερες, οι οποίες αποτελούν μέχρι σήμερα το κύριο ταμείο ρεπερτορίου των θεάτρων σε όλο τον κόσμο.

Μια ορισμένη λογική φαίνεται στη γενική εξέλιξη της οπερατικής δημιουργικότητας του Βέρντι. Όσον αφορά τη θεματολογία και την πλοκή, οι όπερες της δεκαετίας του 1940 ξεχωρίζουν με την προτεραιότητα της σημασίας των μοτίβων πλοκής που έχουν σχεδιαστεί για μεγάλη κοινωνικοπολιτική απήχηση (ʼʼNabuccoʼʼ, ʼʼLombardsʼʼ, ʼʼΜάχη του Legnanoʼʼ). Ο Βέρντι αναφέρθηκε σε τέτοια γεγονότα αρχαία ιστορία, που αποδείχτηκε σύμφωνο με τις διαθέσεις της σύγχρονης Ιταλίας.

Ήδη στις πρώτες πράξεις του Βέρντι, που δημιούργησε ο ίδιος στη δεκαετία του '40, οι εθνικοαπελευθερωτικές ιδέες που ήταν τόσο σχετικές για το ιταλικό κοινό του 19ου αιώνα βρήκαν: «Nabukko», «Latars», «Ernani», «Jeannan D, Κιβωτός, «ΑΤΙΛΛΑΣ», «ΒΕΛΛΙΑΡΙΑ» όπερα του Σαίξπηρ του Βέρντι) κ.λπ. - όλα βασίζονται σε ηρωικές-πατριωτικές ιστορίες, εξυμνούν τους αγωνιστές της ελευθερίας, καθένα από αυτά περιέχει έναν άμεσο πολιτικό υπαινιγμό για την κοινωνική κατάσταση στην Ιταλία, πολεμώντας ενάντια στην αυστριακή καταπίεση. Οι παραστάσεις αυτών των όπερων προκάλεσαν έκρηξη πατριωτικών συναισθημάτων στον Ιταλό ακροατή, ξεχύθηκαν σε πολιτικές διαδηλώσεις, έγιναν δηλαδή γεγονότα πολιτική σημασία. Οι μελωδίες των χορωδιών της όπερας που συνέθεσε ο Βέρντι απέκτησαν τη σημασία των επαναστατικών τραγουδιών και τραγουδήθηκαν σε όλη τη χώρα. Η τελευταία όπερα της δεκαετίας του '40 - Louise Millerʼʼ βασισμένο στο δράμα του Σίλερ ʼIntrigue and Loveʼʼ - άνοιξε ένα νέο στάδιο στο έργο του Βέρντι. Ο συνθέτης στράφηκε αρχικά σε ένα νέο θέμα για τον εαυτό του - το θέμα της κοινωνικής ανισότητας, που ανησύχησε πολλούς καλλιτέχνες του δεύτερου μισού του 19ου αιώνα, εκπροσώπους του κριτικός ρεαλισμός. Στη θέση των ηρωικών ιστοριών έρχεται προσωπικό δράμα, εξαιτίας κοινωνικούς λόγους. Ο Βέρντι δείχνει πώς μια άδικη κοινωνική δομή σπάει τα ανθρώπινα πεπρωμένα. Ταυτόχρονα, οι άνθρωποι που είναι φτωχοί και αποζημιωμένοι αποδεικνύονται πολύ πιο ευγενείς, πνευματικά πλουσιότεροι από τους εκπροσώπους της «υψηλής κοινωνίας».

Στις όπερες του της δεκαετίας του '50, ο Βέρντι απομακρύνεται από την αστική-ηρωική γραμμή και εστιάζει στα προσωπικά δράματα μεμονωμένων χαρακτήρων. Αυτά τα χρόνια δημιουργήθηκε η περίφημη τριάδα της όπερας - ʼʼRigolettoʼʼ (1851), ʼʼLa Traviataʼʼ (1853), ʼʼTroubadourʼʼ (1859). Το θέμα της κοινωνικής αδικίας, που προέρχεται από τη ʼʼΛουίζ Μίλερʼ, αναπτύχθηκε στη διάσημη τριάδα της όπερας των αρχών της δεκαετίας του '50 - ʼʼRigolettoʼʼ (1851), ʼʼTroubadourʼʼ, ʼʼLa Traviataʼʼ (και τα δύο 1853). Και οι τρεις όπερες μιλούν για τα βάσανα και τον θάνατο των κοινωνικά μειονεκτούντων ανθρώπων, περιφρονημένων από την «κοινωνία»: ενός γελωτοποιού της αυλής, μιας τσιγγάνας ζητιάνα, μιας πεσμένης γυναίκας. Η δημιουργία αυτών των έργων μιλά για την αυξημένη ικανότητα του Βέρντι ως θεατρικού συγγραφέα. Σε σύγκριση με τις πρώτες όπερες του συνθέτη, αυτό είναι ένα τεράστιο βήμα προς τα εμπρός:

• Η ψυχολογική αρχή ενισχύεται, συνδέεται με την αποκάλυψη φωτεινών, εξαιρετικών ανθρώπινων χαρακτήρων.
• οι αντιθέσεις που αντανακλούν ζωτικές αντιφάσεις επιδεινώνονται.
• Οι παραδοσιακές φόρμες της όπερας ερμηνεύονται με πρωτοποριακό τρόπο (πολλές άριες, σύνολα μετατρέπονται σε ελεύθερα οργανωμένες σκηνές).
• στα φωνητικά μέρη ο ρόλος της απαγγελίας αυξάνεται.
• ο ρόλος της ορχήστρας μεγαλώνει.

Αργότερα, σε όπερες που δημιουργήθηκαν στο δεύτερο μισό της δεκαετίας του '50 ( ʼʼΣικελικός Εσπερινόςʼʼ - για την Όπερα του Παρισιού, ʼʼΣιμόν Μποκανεγκράʼʼ, ʼʼΜπάλα μεταμφιέσεωνʼʼ) και στη δεκαετία του '60 ʼʼForce of Destinyʼʼ - ανάθεση από το Θέατρο Μαριίνσκι της Αγίας Πετρούπολης και ʼ''Δον Κάρλος'' - για την Όπερα του Παρισιού), ο Βέρντι επιστρέφει ξανά στα ιστορικά-επαναστατικά και πατριωτικά θέματα. Ταυτόχρονα, πλέον τα κοινωνικοπολιτικά γεγονότα είναι άρρηκτα συνδεδεμένα με το προσωπικό δράμα των ηρώων και το πάθος του αγώνα, οι φωτεινές μαζικές σκηνές συνδυάζονται με τον λεπτό ψυχολογισμό. Το καλύτερο από αυτά τα έργα είναι η όπερα ʼʼDon Carlosʼʼ, που εκθέτει την τρομερή φύση της καθολικής αντίδρασης. Βασίζεται σε μια ιστορική πλοκή, δανεισμένη από το ομώνυμο δράμα του Σίλερ. Τα γεγονότα εκτυλίσσονται στην Ισπανία κατά τη διάρκεια της βασιλείας του δεσποτικού βασιλιά Φιλίππου Β', προδίδοντας τον ίδιο του τον γιο στα χέρια της Ιεράς Εξέτασης. Κάνοντας τον καταπιεσμένο Φλαμανδικό λαό έναν από τους βασικούς χαρακτήρες του έργου, ο Βέρντι έδειξε ηρωική αντίσταση στη βία και την τυραννία. Αυτό το τυραννικό πάθος του ʼʼDon Carlosʼʼ, σύμφωνο πολιτικά γεγονόταστην Ιταλία, παρασκευάζεται σε μεγάλο βαθμό ʼʼAidaʼʼ.

ʼʼAidaʼʼ, που δημιουργήθηκε το 1871 με εντολή της αιγυπτιακής κυβέρνησης, ανοίγει όψιμη περίοδοςστο έργο του Βέρντι. Αυτή η περίοδος περιλαμβάνει επίσης τέτοιες κορυφαίες δημιουργίες του συνθέτη όπως το μουσικό δράμα Οθέλλος και κωμική όπερα ʼʼFalstaffʼʼ (και τα δύο μετά τον Σαίξπηρ σε λιμπρέτο του Arrigo Boito). Αυτές οι τρεις όπερες συνδυάζονται τα καλύτερα χαρακτηριστικάστυλ συνθέτη:

• βαθιά ψυχολογική ανάλυση των ανθρώπινων χαρακτήρων.
• φωτεινή, συναρπαστική εμφάνιση συγκρούσεων.
• ανθρωπισμός, με στόχο την αποκάλυψη του κακού και της αδικίας.
• θεαματική ψυχαγωγία, θεατρικότητα.
• δημοκρατική ευαισθησία μουσική γλώσσαβασισμένο στις παραδόσεις του ιταλικού λαϊκού τραγουδιού.

Στις δύο τελευταίες όπερες που δημιουργήθηκαν με βάση τις πλοκές του Σαίξπηρ - ʼʼΟθέλλοςʼʼ και ʼʼFalstaffʼʼ ο Βέρντι αναζητά να βρει μερικούς νέους τρόπους στην όπερα, για να της δώσει μια πιο εις βάθος μελέτη των ψυχολογικών και δραματικών πτυχών. Ταυτόχρονα, ως προς το μελωδικό βάρος και το περιεχόμενο (αυτό ισχύει ιδιαίτερα για το ʼʼFalstaffʼʼ), είναι κατώτερες από τις παλαιότερα γραμμένες όπερες. Να προσθέσουμε ότι ποσοτικά οι όπερες βρίσκονται στη γραμμή του ʼʼεξαφάνισηςʼʼ. Τα τελευταία 30 χρόνια της ζωής του, ο Βέρντι έγραψε μόνο 3 όπερες: ᴛ.ᴇ. μία παράσταση σε 10 χρόνια.

Όπερα του Τζουζέπε Βέρντι ʼʼLa Traviataʼʼ

ΟικόπεδοΗ Traviataʼ (1853 ᴦ.) είναι δανεισμένη από το μυθιστόρημα του Αλέξανδρου Δουμά, γιου της ʼʼΗ Κυρία των Καμέλιωνʼ. Ως πιθανό οπερατικό υλικό, τράβηξε την προσοχή του συνθέτη αμέσως μετά την έκδοσή του (1848 ᴦ.) Το μυθιστόρημα γνώρισε συγκλονιστική επιτυχία και ο συγγραφέας το ξαναδούλεψε σύντομα σε θεατρικό έργο. Ο Βέρντι ήταν στην πρεμιέρα της και τελικά επιβεβαίωσε την απόφασή του να γράψει μια όπερα. Βρήκε στον Δουμά ένα θέμα κοντά στον εαυτό του - την τραγωδία της μοίρας μιας γυναίκας που καταστράφηκε από την κοινωνία.

Το θέμα της όπερας προκάλεσε έντονη διαμάχη: η σύγχρονη πλοκή, τα κοστούμια και τα χτενίσματα ήταν πολύ ασυνήθιστα για το κοινό του 19ου αιώνα. Αλλά το πιο απροσδόκητο ήταν ότι για πρώτη φορά στη σκηνή της όπερας ως κύριος χαρακτήρας, που απεικονίζεται με απροκάλυπτη συμπάθεια, βγήκε ʼʼμια πεσμένη γυναίκαʼʼ (περίσταση που τονίστηκε ιδιαίτερα από τον Βέρντι στον τίτλο της όπερας - έτσι μεταφράζεται το ιταλικό ʼʼtraviataʼʼ). Αυτή η καινοτομία είναι ο κύριος λόγος για τη σκανδαλώδη αποτυχία της πρεμιέρας.

Όπως σε πολλές άλλες όπερες του Βέρντι λιμπρέτογραμμένο από τον Francesco Piave. Όλα είναι εξαιρετικά απλά σε αυτό:

• ελάχιστος ηθοποιών·
• έλλειψη περίπλοκης ίντριγκας.
• η έμφαση δεν είναι στην περιπετειώδη, αλλά στην ψυχολογική πλευρά - πνευματική ηρεμίαηρωίδες.

σχέδιο σύνθεσηςεξαιρετικά λακωνικό, επικεντρώνεται σε ένα προσωπικό δράμα:

§ I ε. - η έκθεση των εικόνων της Violetta και του Alfred και η αρχή μιας γραμμής αγάπης (η αναγνώριση του Alfred και η ανάδυση ενός αμοιβαίου συναισθήματος στην ψυχή της Violetta).

§ Στη δεύτερη δ. παρουσιάζεται η εξέλιξη της εικόνας της Βιολέττας, της οποίας όλη η ζωή μεταμορφώθηκε ολοκληρωτικά υπό την επίδραση της αγάπης. Ήδη εδώ γίνεται μια στροφή προς μια τραγική κατάργηση (η συνάντηση της Violetta με τον Georges Germont γίνεται μοιραία για εκείνη).

§ ΙΙΙ δ. περιέχει το αποκορύφωμα και το τέλος - τον θάνατο της Βιολέτας. Τᴀᴋᴎᴍ ᴏϬᴩᴀᴈᴏᴍ, η μοίρα της είναι ο κύριος δραματικός πυρήνας της όπερας.

Με είδοςʼʼLa Traviataʼʼ - ένα από τα πρώτα δείγματα λυρικό-ψυχολογικόόπερες. Η ρουτίνα και η οικειότητα της πλοκής οδήγησαν τον Βέρντι να εγκαταλείψει την ηρωική μνημειακότητα, το θεατρικό θέαμα, την επιδεικτικότητα που διέκρινε τα πρώτα του οπερατικά έργα. Αυτή είναι η πιο «ήσυχη» όπερα δωματίου του συνθέτη. Στην ορχήστρα κυριαρχούν τα έγχορδα όργανα, η δυναμική σπάνια υπερβαίνει R. Πολύ ευρύτερα από ό,τι σε άλλα έργα του, ο Βέρντι βασίζεται σύγχρονα είδη νοικοκυριού. Αυτό είναι, πρώτα απ 'όλα, το είδος βαλς, το οποίο μπορεί να ονομαστεί ʼʼleitgenreʼʼʼʼʼLa Traviataʼʼ (φωτεινά δείγματα του βαλς είναι το ποτό τραγούδι του Άλφρεντ, μέρος 2 της άριας της Violetta ʼʼTo be free...ʼʼ, ντουέτο του Alfred από το Alfred. ʼʼΑφήνουμε τη γη''). Με φόντο το βαλς, λαμβάνει χώρα και η ερωτική εξήγηση του Άλφρεντ στην πράξη I.

Εικόνα Violetta.Ο πρώτος χαρακτηρισμός της Violetta δίνεται σε ένα σύντομο ορχηστρικό πρελούδιο που εισάγει την όπερα, όπου υπάρχουν 2 θέματα που είναι αντίθετα σε νόημα:

1 - το θέμα της ''πεθαμένης Βιολέττας'', προσδοκώντας τη λήξη του δράματος. Η Dana στον πνιχτό ήχο των βιολιών divizi, σε πένθιμο h-moll, υφή χορωδίας, σε δεύτερους τόνους. Επαναλαμβάνοντας αυτό το θέμα στην εισαγωγή στην πράξη ΙΙΙ, ο συνθέτης τόνισε την ενότητα ολόκληρης της σύνθεσης (τεχνική ʼʼθεματική αρχαίαʼʼ).

2 - ʼʼθέμα της αγάπηςʼ' - παθιασμένος και ενθουσιώδης, στη φωτεινή ηχητικότητα του E-dur, συνδυάζει τη μελωδικότητα της μελωδίας με το απαλό βαλς του ρυθμού. Στην ίδια την όπερα εμφανίζεται ως Βιολέττα στη δεύτερη πράξη τη στιγμή του χωρισμού της από τον Άλφρεντ.

ΣΤΟ εγώ δράση(εικόνα της μπάλας) Ο χαρακτηρισμός της Violetta βασίζεται στη συνένωση δύο γραμμών: λαμπρός, βιρτουόζος, που συνδέεται με την ενσάρκωση εξωτερική ουσίαεικόνα, και λυρικό-δραματικό, μεταφέροντας εσωτερικόΟ κόσμος της Violetta. Στην αρχή κιόλας της δράσης κυριαρχεί ο πρώτος - βιρτουόζος. Στο φεστιβάλ, η Violetta φαίνεται να είναι αχώριστη από το περιβάλλον της - μια χαρούμενη κοσμική κοινωνία. Η μουσική της δεν είναι πολύ εξατομικευμένη (χαρακτηριστικά, η Violetta εντάσσεται στο ποτό τραγούδι του Alfred, το οποίο σύντομα καταλαμβάνεται από όλη τη χορωδία των καλεσμένων).

Μετά την εξήγηση της αγάπης του Άλφρεντ, η Βιολέτα είναι στη λαβή των πιο αντικρουόμενων συναισθημάτων: εδώ είναι το όνειρο αληθινή αγάπηκαι η δυσπιστία στη δυνατότητα της ευτυχίας. Γι' αυτό είναι μεγάλο πορτραίτο άρια , που ολοκληρώνει την πρώτη πράξη, βασίζεται σε μια αντίθετη σύγκριση δύο μερών:

1 μέρος - αργό (''Δεν είσαι για μένα...'' f-moll). Έχει στοχαστικό, ελεγειακό χαρακτήρα. Η ομαλή μελωδία που μοιάζει με βαλς είναι γεμάτη τρόμο και τρυφερότητα, εσωτερικό ενθουσιασμό (παύσεις, σελ, διακριτική συνοδεία). Το θέμα της εξομολόγησης αγάπης του Άλφρεντ λειτουργεί ως ένα είδος ρεφρέν στην κύρια μελωδία. Από εδώ και πέρα, αυτή η όμορφη μελωδία, πολύ κοντά στο θέμα της αγάπης από το ορχηστρικό πρελούδιο, γίνεται το κύριο θέμα της όπερας (ο λεγόμενος 2ος τόμος αγάπης). Στην άρια της Βιολέττας ακούγεται πολλές φορές, πρώτα στο μέρος της και μετά στον Άλφρεντ, του οποίου η φωνή δίνεται στο δεύτερο σχέδιο.

2 μέρος της άριας - γρήγορα (ʼʼΝα είσαι ελεύθερος...ʼʼ As-dur).Αυτό είναι ένα λαμπρό βαλς, που σαγηνεύει με την ταχύτητα του ρυθμού και τη βιρτουόζικη κολορατούρα. Μια παρόμοια δομή 2 μερών βρίσκεται σε πολλές άριες όπερας. Ωστόσο, ο Βέρντι έφερε την άρια της Βιολέττας πιο κοντά σε έναν ελεύθερο μονόλογο ονείρου, περιλαμβάνοντας σε αυτόν εκφραστικούς απαγγελτικούς συνδέσμους (αντανακλούν τον πνευματικό αγώνα της Βιολέττας) και χρησιμοποιώντας την τεχνική του διπλού επιπέδου (η φωνή του Άλφρεντ από μακριά).

Έχοντας ερωτευτεί τον Άλφρεντ, η Βιολέττα άφησε μαζί του το θορυβώδες Παρίσι, σπάζοντας με το παρελθόν της. Προκειμένου να τονίσει την εξέλιξη του κύριου χαρακτήρα, ο Βέρντι στην πράξη II αλλάζει ριζικά τα χαρακτηριστικά του μουσικού της λόγου. Η εξωτερική λάμψη και οι βιρτουόζοι ρουλάδες εξαφανίζονται, οι τονισμοί αποκτούν μια τραγουδιστική απλότητα.

Στο κέντρο II δράση – ντουέτο της Violetta με τον Georges Germont Ο πατέρας του Άλφρεντ. Αυτό, με την πλήρη έννοια της λέξης, είναι μια ψυχολογική μονομαχία δύο φύσεων: η πνευματική αρχοντιά της Violetta έρχεται σε αντίθεση με τη φιλισταική μετριότητα του Georges Germont.

Συνθετικά, το ντουέτο απέχει πολύ από τον παραδοσιακό τύπο του κοινού τραγουδιού. Αυτή είναι μια ελεύθερη σκηνή, που περιλαμβάνει ρετσιτάτι, αρίο, τραγούδι συνόλου. Στην κατασκευή της σκηνής διακρίνονται τρεις μεγάλες ενότητες που συνδέονται με απαγγελτικούς διαλόγους.

Η ενότητα Ι περιλαμβάνει το αριόζο του Germont ʼʼΑγνό, με καρδιά αγγέλουʼʼκαι η επιστροφή της Violetta σόλο ʼʼΘα καταλάβετε τη δύναμη του πάθουςʼʼ.Το μέρος της Violetta διακρίνεται από θυελλώδη ενθουσιασμό και έρχεται σε έντονη αντίθεση με τη μετρημένη cantilena του Germont.

Η μουσική του τμήματος 2 αντικατοπτρίζει το σημείο καμπής στη διάθεση της Violetta. Η Ζερμόν καταφέρνει να φυτέψει στην ψυχή της οδυνηρές αμφιβολίες για τη μακροζωία του έρωτα του Άλφρεντ (αριόζο του Ζερμόν ʼʼπερνά το πάθοςʼʼ)και υποκύπτει στα αιτήματά του (ʼʼ Κόρη σας).Σε αντίθεση με το 1ο τμήμα, στο 2ο κυριαρχεί το κοινό τραγούδι, στο οποίο ο πρωταγωνιστικός ρόλος ανήκει στη Violetta.

3 ενότητα ('Θα πεθάνω, αλλά στη μνήμη μου')αφιερωμένο στο να δείξει την ανιδιοτελή αποφασιστικότητα της Βιολέτας να απαρνηθεί την ευτυχία της. Η μουσική του διατηρείται στο χαρακτήρα μιας σκληρής πορείας.

Μετά το ντουέτο, η σκηνή της αποχαιρετιστήριας επιστολής της Violetta και του χωρισμού της με τον Alfredo είναι γεμάτη ψυχική αναταραχή και πάθος, που κορυφώνεται με τον εκφραστικό ήχο του όγκου της αγάπης από το ορχηστρικό πρελούδιο (με λόγια ʼΩ, Άλφρεντ μου! Σ 'αγαπώ τόσο πολύ).

Το δράμα της Βιολέττας που αποφάσισε να αφήσει τον Άλφρεντ συνεχίζεται στο χορό της Φλώρας (τελικό 2η μέρα ή 2η σκηνή 2ης μέρας) Και πάλι, όπως στην αρχή της όπερας, ακούγεται ανέμελη χορευτική μουσική, αλλά τώρα η ετερόκλητη φασαρία της μπάλας επιβαρύνει τη Violetta? βιώνει οδυνηρά έναν χωρισμό με τον αγαπημένο της. Το αποκορύφωμα του φινάλε της 2ης μέρας είναι μια προσβολή για τον Άλφρεντ, που πετάει χρήματα στα πόδια της Βιολέττας - πληρωμή για αγάπη.

III πράξηαφοσιωμένη σχεδόν εξ ολοκλήρου στη Βιολέττα, εξουθενωμένη από την αρρώστια και εγκαταλειμμένη από όλους. Ήδη σε μια μικρή ορχηστρική εισαγωγή, υπάρχει η αίσθηση μιας καταστροφής που πλησιάζει. Βασίζεται στο θέμα της ετοιμοθάνατης Violetta από το ορχηστρικό πρελούδιο για την πράξη I, μόνο σε ένα πιο τεταμένο c-moll. Είναι χαρακτηριστικό ότι στην εισαγωγή της Πράξης III δεν υπάρχει δεύτερο, αντίθετο θέμα - το θέμα της αγάπης.

Το κεντρικό επεισόδιο της Πράξης III είναι άρια της Βιολέττας ''Σε συγχωρώ για πάντα''. Αυτός είναι ένας αποχαιρετισμός στη ζωή, με στιγμές ευτυχίας. Πριν την έναρξη της άριας εμφανίζεται στην ορχήστρα ο 2ος τόμος της αγάπης (όταν η Βιολέτα διαβάζει ένα γράμμα του Ζωρζ Ζερμόν). Η μελωδία της άριας είναι πολύ απλή, χτίζεται πάνω στα απαλά μοτίβα του τραγουδιού και το τραγούδι κινείται στην έκτη. Ο ρυθμός είναι πολύ εκφραστικός: οι τονισμοί σε αδύναμους ρυθμούς και μεγάλες παύσεις προκαλούν συσχετισμούς με δύσπνοια, με σωματική εξάντληση. Η τονική ανάπτυξη από το a-moll κατευθύνεται σε παράλληλο, και μετά στο ομώνυμο μείζον, τόσο πιο θλιβερή είναι η επιστροφή στο ελάσσονα.
Φιλοξενείται στο ref.rf
Φόρμα κούπας. Η τραγικότητα της κατάστασης επιδεινώνεται από τους εορταστικούς ήχους του καρναβαλιού, που ξεσπούν ανοιχτό παράθυρο(στο φινάλε του ʼʼRigolettoʼʼ παρόμοιο ρόλο παίζει και το τραγούδι του Δούκα).

Η ατμόσφαιρα του θανάτου που πλησιάζει φωτίζεται άσκοπα από τη χαρά της συνάντησης της Βιολέττας με τον επιστρεφόμενο Άλφρεντ. Το ντουέτο τους ''Αφήνουμε την άκρη εμείς'' -αυτό είναι άλλο ένα βαλς, ελαφρύ και ονειρικό. Ταυτόχρονα, οι δυνάμεις εγκαταλείπουν σύντομα τη Βιολέττα. Η μουσική του τελευταίου αποχαιρετισμού ακούγεται πανηγυρικά και πένθιμα όταν η Βιολέτα χαρίζει στον Άλφρεντ το μενταγιόν της (χορωδιακές συγχορδίες σε ρυθμό οστινάτο rrrr -χαρακτηριστικά γνωρίσματα μιας νεκρικής πορείας). Λίγο πριν από το τέλος, το θέμα της αγάπης ακούγεται ξανά στον εξαιρετικά ήσυχο ήχο των έγχορδων οργάνων.

Όπερα του Τζουζέπε Βέρντι ʼʼΡιγκολέτοʼʼ

Αυτή είναι η πρώτη ώριμη όπερα του Βέρντι (1851 ᴦ), στην οποία ο συνθέτης απομακρύνθηκε από τα ηρωικά θέματα και στράφηκε σε συγκρούσεις που δημιουργήθηκαν από την κοινωνική ανισότητα.

Θεμελιωδώς οικόπεδο- Το δράμα του Βίκτορ Ουγκώ «Ο Βασιλιάς Διασκεδάζει», απαγορεύτηκε αμέσως μετά την πρεμιέρα, ως υπονόμευση της εξουσίας της βασιλικής εξουσίας. Για να αποφύγουν τις συγκρούσεις με τη λογοκρισία, ο Βέρντι και ο λιμπρετίστας του Francesco Piave μετέφεραν το σκηνικό από τη Γαλλία στην Ιταλία και άλλαξαν τα ονόματα των χαρακτήρων. Ταυτόχρονα, αυτές οι αλλοιώσεις ʼʼʼʼʼ δεν μείωσαν καθόλου τη δύναμη της κοινωνικής καταγγελίας: η όπερα του Βέρντι, όπως και το έργο του Ουγκώ, καταγγέλλει την ηθική ανομία και φθορά της κοσμικής κοινωνίας.

Η όπερα αποτελείται από εκείνες τις δράσεις κατά τις οποίες αναπτύσσεται έντονα και γρήγορα μια ενιαία ιστορία, που συνδέεται με τις εικόνες του Rigoletto, της Gilda και του Duke. Μια τέτοια εστίαση αποκλειστικά στη μοίρα των βασικών χαρακτήρων είναι χαρακτηριστικό της δραματουργίας του Βέρντι.

Ήδη στην πράξη Ι - στο επεισόδιο της κατάρας του Μοντερόνε - προορίζεται εκείνη η μοιραία κατάλυση, στην οποία οδηγούν όλα τα πάθη και οι πράξεις των ηρώων. Ανάμεσα σε αυτά τα ακραία σημεία του δράματος -την κατάρα του Μοντερόνε και τον θάνατο της Γκίλντα- υπάρχει μια αλυσίδα αλληλένδετων δραματικών κορυφώσεων, που πλησιάζουν αναπόφευκτα το τραγικό τέλος. Το:

• η σκηνή της απαγωγής της Gilda στο τέλος της Πράξης I.
• Ο μονόλογος του Ριγκολέτο και η ακόλουθη σκηνή με την Τζίλντα, στην οποία ο Ριγκολέτο ορκίζεται εκδίκηση στον Δούκα (Β' πράξη).
• το κουαρτέτο του Ριγκολέτο, της Τζίλντα, του Δούκα και της Μανταλένας είναι το αποκορύφωμα της πράξης ΙΙΙ, ανοίγοντας έναν άμεσο δρόμο προς τη μοιραία κατάλυση.

Ο πρωταγωνιστής της όπερας Ριγκολέτο- μία από τις πιο φωτεινές εικόνες που δημιούργησε ο Βέρντι. Πρόκειται για ένα άτομο πάνω στο οποίο, σύμφωνα με τον ορισμό του Hugo, βαραίνει η τριπλή ατυχία (ασχημία, αναπηρία και περιφρονημένο επάγγελμα). Το όνομά του, σε αντίθεση με το δράμα του Ουγκό, ο συνθέτης ονόμασε το έργο του. Κατάφερε να αποκαλύψει την εικόνα του Ριγκολέτο με τη βαθύτερη ειλικρίνεια και τη σαιξπηρική ευελιξία. Αυτός είναι ένας άνθρωπος με μεγάλα πάθη, με εξαιρετικό μυαλό, αλλά αναγκασμένος να παίξει έναν ταπεινωτικό ρόλο στο δικαστήριο. Ο Ριγκολέτο περιφρονεί και μισεί να ξέρει, δεν χάνει την ευκαιρία να κοροϊδεύει τους διεφθαρμένους αυλικούς. Το γέλιο του δεν γλιτώνει ούτε την πατρική θλίψη του γέρου Μοντερόνε. Την ίδια στιγμή, μόνος με την κόρη του, ο Ριγκολέτο είναι τελείως διαφορετικός: είναι ένας τρυφερός και ανιδιοτελής πατέρας.

Το πρώτο κιόλας θέμα της όπερας, που ανοίγει με μια σύντομη ορχηστρική εισαγωγή, συνδέεται με την εικόνα του πρωταγωνιστή. το κατάρα βασική , βασισμένο στην επίμονη επανάληψη ενός ήχου σε έντονα διακεκομμένο ρυθμό, δραματικό c-moll, τρομπέτες και τρομπόνια. Ο χαρακτήρας είναι απαίσιος, ζοφερός, τραγικός, τονίζεται από την έντονη αρμονία. Αυτό το θέμα γίνεται αντιληπτό ως μια εικόνα της ροκ, της αδυσώπητης μοίρας.

Το δεύτερο θέμα του λήμματος ονομαζόταν ʼʼθέματα ταλαιπωρίαςʼʼ. Βασίζεται σε θλιβερούς δεύτερους τόνους που διακόπτονται από παύσεις.

ΣΤΟ Φωτογραφίζω την όπερα(μπάλα στο παλάτι του Δούκα) Ο Ριγκολέτο εμφανίζεται με το πρόσχημα του γελωτοποιού. Οι γκριμάτσες, οι ατάκες, το κουτσό βάδισμα του μεταφέρονται από το θέμα που ακούγεται στην ορχήστρα (Νο 189 σύμφωνα με τις νότες). Πρέπει να ειπωθεί ότι χαρακτηρίζεται από έντονους ρυθμούς ʼʼʼʼʼʼ, απροσδόκητους τόνους, γωνιακές μελωδικές στροφές, ʼʼʼʼʼʼ ερμηνεία.

Μια έντονη παραφωνία σε σχέση με την όλη ατμόσφαιρα της μπάλας είναι το επεισόδιο που σχετίζεται με την κατάρα του Μοντερόνε. Η τρομερή και μεγαλειώδης μουσική του χαρακτηρίζει όχι τόσο τον Μοντερόνε όσο την ψυχική κατάσταση του Ριγκολέτο, συγκλονισμένου από την κατάρα. Στο δρόμο για το σπίτι, δεν μπορεί να τον ξεχάσει, σε σχέση με αυτό, δυσοίωνοι απόηχοι της κατάρας εμφανίζονται στην ορχήστρα, που συνοδεύουν το ρετσιτάτι του Ριγκολέτο ''Είμαι καταραμένος για πάντα από αυτόν τον γέρο''.Αυτό το ρεσιτάτιο ανοίγει 2 εικόνες όπερας, όπου ο Rigoletto συμμετέχει σε δύο σκηνές ντουέτο που είναι τελείως αντίθετα χρωματικά.

Το πρώτο, από το Sparafucile - ϶ᴛᴏ εμφατικά ʼʼbusinessʼʼ, μια συγκρατημένη συνομιλία μεταξύ δύο ʼʼσυνωμοτώνʼʼ, που δεν χρειαζόταν καντιλένα τραγούδι. Διατηρείται σε ζοφερούς τόνους. Και τα δύο μέρη είναι ρετσιτατίβα και δεν ενώνονται ποτέ. Τον «τσιμεντοποιητικό» ρόλο παίζει μια συνεχής μελωδία σε οκτάβα τσέλο και κοντραμπάσα στην ορχήστρα. Στο τέλος της σκηνής, πάλι, σαν στοιχειωμένη ανάμνηση, ακούγεται η κατάρα.

Η δεύτερη σκηνή, με την Gilda, αποκαλύπτει μια διαφορετική, βαθιά ανθρώπινη πλευρά του χαρακτήρα του Rigoletto. Τα αισθήματα πατρικής αγάπης μεταφέρονται μέσα από μια πλατιά, τυπικά ιταλική καντιλένα, ένα χαρακτηριστικό παράδειγμα της οποίας είναι οι δύο ariosos Rigoletto από αυτή τη σκηνή - ʼʼΜη μου μιλάς γι' αυτήν''(αρ. 193) και ʼʼΩ, φρόντισε το πολυτελές λουλούδιʼʼ(αναφέρεται σε καμαριέρα).

Την κεντρική θέση στην ανάπτυξη της εικόνας του Rigoletto κατέχει ο δικός του σκηνή με αυλικούς μετά την απαγωγή της Γκίλντα 2 δράσεις. Ο Ριγκολέτο εμφανίζεται να τραγουδάει τραγούδι του γελωτοποιούχωρίς λόγια, μέσα από την προσποιητή αδιαφορία της οποίας γίνεται φανερός ο κρυμμένος πόνος και το άγχος (χάρη στη δευτερεύουσα κλίμακα, την αφθονία των παύσεων και τους φθίνοντες δεύτερους τόνους). Όταν ο Ριγκολέτο συνειδητοποιεί ότι η κόρη του είναι με τον Δούκα, πετάει τη μάσκα της προσποιημένης αδιαφορίας του. Θυμός και μίσος, παθιασμένη παράκληση ακούγονται στην τραγική άρια-μονόλογό του ʼʼΑθλητές, δολοφόνοςʼʼ.

Ο μονόλογος έχει δύο μέρη. Το πρώτο μέρος βασίζεται στη δραματική απαγγελία, αναπτύσσεται μέσα έκφρασηςορχηστρική εισαγωγή στην όπερα: το ίδιο αξιολύπητο c-moll, λεκτική εκφραστικότητα της μελωδίας, ενέργεια του ρυθμού. Ο ρόλος της ορχήστρας είναι εξαιρετικά μεγάλος - ένα ασταμάτητο ρεύμα παραμόρφωσης εγχόρδων, επαναλαμβανόμενη επανάληψη του μοτίβου ενός αναστεναγμού, ένας ενθουσιασμένος παλμός εξάγωνων.

Το μέρος 2 του μονολόγου είναι χτισμένο σε μια ομαλή, ψυχική καντιλένα, στην οποία η οργή δίνει τη θέση της στην παράκληση (ʼΚύριε, λυπήσου που με χρειάζεσαι).

Το επόμενο βήμα στην ανάπτυξη της εικόνας του κύριου χαρακτήρα είναι ο Rigoletto ο εκδικητής. Έτσι εμφανίζεται για πρώτη φορά στο νέο σκηνή ντουέτο με την κόρη της στην πράξη 2, η οποία ξεκινά με την αφήγηση της Gilda για την απαγωγή. Όπως το πρώτο ντουέτο μεταξύ του Rigoletto και της Gilda (από την Πράξη I), περιλαμβάνει όχι μόνο τραγούδι σε σύνολο, αλλά και διαλόγους απαγγελίας και αριόζο. Η αλλαγή των αντιθετικών επεισοδίων αντανακλά τις διαφορετικές αποχρώσεις της συναισθηματικής κατάστασης των χαρακτήρων. Το τελευταίο τμήμα ολόκληρης της σκηνής αναφέρεται συνήθως ως «ντουέτο εκδίκησης». Τον πρωταγωνιστικό ρόλο σε αυτό παίζει ο Ριγκολέτο, ο οποίος ορκίζεται σκληρή εκδίκηση στον Δούκα. Η φύση της μουσικής είναι πολύ ενεργή, με ισχυρή θέληση, η οποία διευκολύνεται από ένα γρήγορο ρυθμό, ισχυρή ηχητική ένταση, τονική σταθερότητα, μια ανοδική κατεύθυνση των τονισμών και έναν πεισματικά επαναλαμβανόμενο ρυθμό (Αρ. 209). ''Ένα ντουέτο εκδίκησης'' τελειώνει όλη η πράξη της όπερας.

Η εικόνα του Ριγκολέτο του Εκδικητή αναπτύσσεται στον κεντρικό αριθμό 3 βήματαευφυής κουαρτέτο όπου μπλέκονται τα πεπρωμένα όλων των βασικών χαρακτήρων. Η ζοφερή αποφασιστικότητα του Ριγκολέτο αντιπαραβάλλεται εδώ με την επιπολαιότητα του Δούκα και την πνευματική αγωνία της Τζίλντα και την φιλαρέσκεια της Μανταλένα.

Κατά τη διάρκεια μιας καταιγίδας, ο Rigoletto κάνει μια συμφωνία με τον Sparafucile. Η εικόνα της καταιγίδας έχει ψυχολογική σημασία, συμπληρώνει το δράμα των χαρακτήρων. Επιπλέον, τον πιο σημαντικό ρόλο στην πράξη 3 παίζει το απρόσεκτο τραγούδι του Duke ʼʼThe Heart of Beautiesʼʼ, λειτουργώντας ως μια εξαιρετικά φωτεινή αντίθεση με τα δραματικά γεγονότα του φινάλε. Η τελευταία εκτέλεση του τραγουδιού αποκαλύπτει στον Ριγκολέτο μια τρομερή αλήθεια: η κόρη του έπεσε θύμα εκδίκησης.

Η σκηνή του Rigoletto με την ετοιμοθάνατη Gilda, τους τελευταίο ντουέτο - ϶ᴛᴏ κατάργηση όλου του δράματος. Η μουσική του κυριαρχείται από το αποκηρυγμένο ξεκίνημα.

Οι άλλες δύο κορυφαίες εικόνες της όπερας - η Γκίλντα και ο Δούκας - είναι ψυχολογικά βαθιά διαφορετικές.

Το κύριο πράγμα στην εικόνα Η Γκίλντα- τον έρωτά της για τον Δούκα, για τον οποίο η κοπέλα θυσιάζει τη ζωή της. Ο χαρακτηρισμός της ηρωίδας δίνεται στην εξέλιξη.

Η Gilda εμφανίζεται για πρώτη φορά σε μια σκηνή ντουέτο με τον πατέρα της στην πράξη I. Η εμφάνισή της συνοδεύεται από ένα φωτεινό θέμα πορτραίτου στην ορχήστρα. Γρήγορο τέμπο, χαρούμενη ντο ματζόρε, χορευτικός ρυθμός με συγκοπές ʼʼʼʼʼʼ μεταφέρουν τόσο τη χαρά της συνάντησης όσο και τη λαμπερή, νεανική εμφάνιση της ηρωίδας. Το ίδιο θέμα συνεχίζει να αναπτύσσεται στο ίδιο το ντουέτο, συνδέοντας σύντομες, μελωδικές φωνητικές φράσεις.

Η ανάπτυξη της εικόνας συνεχίζεται στις ακόλουθες σκηνές της Πράξης I - το ερωτικό ντουέτο της Gilda και της άριας του Δούκα και της Gilda.

Θυμηθείτε ένα ραντεβού αγάπης. Η άρια είναι χτισμένη σε ένα θέμα, η ανάπτυξη του οποίου σχηματίζει μια τριμερή μορφή. Στο μεσαίο τμήμα, η μελωδία της άριας είναι χρωματισμένη με ένα βιρτουόζο στολίδι κολορατούρα.

Όπερα του Giuseppe Verdi ʼʼAidaʼʼ

Η δημιουργία της ʼʼAidaʼʼ (Κάιρο, 1871 ᴦ.) συνδέεται με μια πρόταση της αιγυπτιακής κυβέρνησης να γράψει μια όπερα για τη νέα όπερα στο Κάιρο για τον εορτασμό των εγκαινίων της διώρυγας του Σουέζ. Οικόπεδο αναπτύχθηκε από τον διάσημο Γάλλο Αιγυπτιολόγο Auguste Mariette σύμφωνα με έναν αρχαίο αιγυπτιακό μύθο. Η όπερα αποκαλύπτει την ιδέα μιας πάλης μεταξύ του καλού και του κακού, της αγάπης και του μίσους. ανθρώπινα πάθη, οι ελπίδες συγκρούονται με το αδυσώπητο της μοίρας, της μοίρας. Για πρώτη φορά, αυτή η σύγκρουση δίνεται στην ορχηστρική εισαγωγή της όπερας, όπου συγκρίνονται δύο κορυφαία μοτίβα και στη συνέχεια συνδυάζονται πολυφωνικά - το θέμα της Aida (η προσωποποίηση της εικόνας της αγάπης) και το θέμα των ιερέων (ένα γενικευμένο εικόνα του κακού, της μοίρας).

Στο στυλ της, η ʼʼAidaʼʼ είναι από πολλές απόψεις κοντά ʼʼμεγάλη γαλλική όπεραʼ:

• μεγάλης κλίμακας (4 δράσεις, 7 πίνακες).
• διακοσμητική λαμπρότητα, λάμψη, ʼʼεπιδεικτικότηταʼʼ;
• μια πληθώρα μαζικών χορωδιακών σκηνών και μεγάλων συνόλων.
• ο μεγάλος ρόλος του μπαλέτου͵ πανηγυρικών πομπών.

Ταυτόχρονα, τα στοιχεία της όπερας της ʼʼμεγάληςʼ συνδυάζονται με τα χαρακτηριστικά λυρικό-ψυχολογικό δράμα, αφού η κύρια ουμανιστική ιδέα ενισχύεται από μια ψυχολογική σύγκρουση: όλοι οι κύριοι χαρακτήρες της όπερας, που αποτελούν το ερωτικό τρίγωνο, βιώνουν τις πιο έντονες εσωτερικές αντιφάσεις. Έτσι, η Aida θεωρεί τον έρωτά της για τον Radames προδοσία ενώπιον του πατέρα, των αδελφών και της πατρίδας της. στρατιωτικό καθήκον και αγάπη για την Aida αγώνας στην ψυχή του Radames. ανάμεσα στο πάθος και τη ζήλια ο Αμνέρις ορμά.

Η πολυπλοκότητα του ιδεολογικού περιεχομένου, η έμφαση στην ψυχολογική σύγκρουση οδήγησαν στην πολυπλοκότητα δραματουργίας , που χαρακτηρίζεται από τονισμένη σύγκρουση. Η ʼʼAidaʼʼ είναι πραγματικά μια όπερα δραματικών συγκρούσεων και έντονων αγώνων όχι μόνο μεταξύ εχθρών, αλλά και μεταξύ εραστών.

1 σκηνή παίζωπεριέχει έκθεσηόλοι οι βασικοί χαρακτήρες της όπερας, εκτός από τον Αμονάσρο, τον πατέρα της Άιντα, και βολβοί των ματιών love line, που αναφέρεται κυριολεκτικά στην αρχή κιόλας της όπερας. το τριάδα της ζήλιας(αρ. 3), που αποκαλύπτει τη σύνθετη σχέση μεταξύ των συμμετεχόντων στο ʼʼερωτικό τρίγωνοʼʼ - την πρώτη σκηνή συνόλου της όπερας. Στην ορμητική του μουσική, μπορεί κανείς να ακούσει τόσο το άγχος, τον ενθουσιασμό της Aida και τον Radames, όσο και τον μόλις συγκρατημένο θυμό του Amneris. Το ορχηστρικό μέρος της τριάδας βασίζεται σε το μοτίβο της ζήλιας.

Σε 2 δράσεις η αντίθεση ενισχύεται. Στην πρώτη του εικόνα, η αντίθεση δύο αντιπάλων (στο ντουέτο τους) δίνεται σε μεγαλύτερο σχέδιο και στη δεύτερη εικόνα (αυτό είναι το φινάλε της 2ης πράξης), η κύρια σύγκρουση της όπερας επιδεινώνεται σημαντικά λόγω της συμπεριλαμβανομένου του Amonasro, Αιθίοπων αιχμαλώτων από τη μια πλευρά, και του Αιγύπτιου φαραώ, Amneris, των Αιγυπτίων από την άλλη.

ΣΤΟ 3 ενέργειες Η δραματική ανάπτυξη μεταβαίνει εντελώς στο ψυχολογικό επίπεδο - στον τομέα των ανθρώπινων σχέσεων. Δύο ντουέτα διαδέχονται το ένα το άλλο: Aida-Amonasro και Aida-Radames. Οι Οʜᴎ διαφέρουν πολύ σε εκφραστική και συνθετική λύση, αλλά ταυτόχρονα δημιουργούν μια ενιαία γραμμή σταδιακά αυξανόμενης δραματικής έντασης. Στο τέλος της δράσης, λαμβάνει χώρα μια πλοκή «έκρηξη» - η ακούσια προδοσία του Radames και η ξαφνική εμφάνιση του Amneris, του Ramfis και των ιερέων.

4 δράση- η απόλυτη κορυφή της όπερας. Τα αντίποινα του σε σχέση με την πράξη Ι είναι προφανή: α) και τα δύο ανοιχτά με ένα ντουέτο του Amneris και του Radames. β) στο φινάλε επαναλαμβάνονται θέματα από τη ʼʼσκηνή της αφιέρωσηςʼ, και συγκεκριμένα η προσευχή της μεγάλης ιέρειας (ωστόσο, αν νωρίτερα αυτή η μουσική συνόδευε την επίσημη μεγέθυνση του Radames, τότε εδώ είναι η τελετουργική κηδεία του).

Στην πράξη 4 υπάρχουν δύο κορυφώσεις: τραγικό στη σκηνή του δικαστηρίου και ʼʼʼʼʼ, λυρικό στο φινάλε, στο αποχαιρετιστήριο ντουέτο της Aida και του Radames. σκηνή του δικαστηρίου- ϶ᴛᴏ τραγική κατάληξη της όπερας, όπου η δράση εξελίσσεται σε δύο παράλληλα επίπεδα. Από το μπουντρούμι ακούγεται η μουσική των ιερέων που κατηγορούν τον Ραντάμες και σε πρώτο πλάνο η κλαμένη Αμνέρις φωνάζει απελπισμένη στους θεούς. Η εικόνα της Αμνέρης στη σκηνή του δικαστηρίου είναι προικισμένη με τραγικά χαρακτηριστικά. Το γεγονός ότι η ίδια, στην ουσία, αποδεικνύεται θύμα των ιερέων, προσκολλά την Amneris στο θετικό στρατόπεδο: αυτή, όπως λες, παίρνει τη θέση της Aida στην κύρια σύγκρουση της όπερας.

Η παρουσία μιας δεύτερης, «ήσυχης» κορύφωσης είναι ένα εξαιρετικά σημαντικό χαρακτηριστικό της δραματουργίας της «Αΐντα». Μετά από μεγαλειώδεις πομπές, πομπές, θριαμβευτικές πορείες, σκηνές μπαλέτου, έντονες συγκρούσεις, ένα τόσο ήσυχο, λυρικό τέλος επιβεβαιώνει την υπέροχη ιδέα της αγάπης και του άθλου στο όνομά της.

σκηνές συνόλου.Όλες οι πιο σημαντικές στιγμές στην εξέλιξη της ψυχολογικής σύγκρουσης στην Aida συνδέονται με σκηνές συνόλου, ο ρόλος των οποίων είναι εξαιρετικά μεγάλος. Αυτό είναι το «τρίο της ζήλιας», που εκτελεί τη λειτουργία του ανοίγματος στην όπερα, και το ντουέτο της Aida με την Amneris - η πρώτη κορύφωση της όπερας, και το ντουέτο της Aida με τον Radames στο φινάλε - το τέλος της γραμμής αγάπης .

Ο ρόλος των σκηνών ντουέτο που προκύπτουν στις πιο τεταμένες καταστάσεις είναι ιδιαίτερα μεγάλος. Στην πράξη Ι, πρόκειται για ένα ντουέτο μεταξύ της Amneris και του Radames, που εξελίσσεται σε ένα ʼʼτρίο ζήλιαςʼʼ. στην πράξη 2 - ντουέτο της Aida με την Amneris. Στην πράξη 3, ακολουθούν δύο ντουέτα με την Άιντα στη σειρά. Ο ένας είναι με τον πατέρα του, ο άλλος με τον Ραντάμες. στην πράξη 4 υπάρχουν επίσης δύο ντουέτα ͵ που περιβάλλουν την κορυφαία σκηνή του γηπέδου: στην αρχή - Radames-Amneris, στο τέλος - Radames-Aida. Δεν υπάρχει σχεδόν καμία άλλη όπερα στην οποία θα υπήρχαν τόσα πολλά ντουέτα.

Ωστόσο, είναι όλα πολύ ατομικά. Οι συναντήσεις του Άδη με τον Ραντάμες δεν έχουν συγκρουσιακό χαρακτήρα και προσεγγίζουν το είδος των ʼʼσυνόλων κονκόρντʼʼ (ειδικά στο φινάλε). Στις συναντήσεις του Radames με τον Amneris, οι συμμετέχοντες είναι έντονα απομονωμένοι, αλλά δεν υπάρχει αγώνας, ο Radames το αποφεύγει. Αλλά οι συναντήσεις της Άιντα με τον Αμνέρις και τον Αμονάσρο με την πλήρη έννοια της λέξης μπορούν να ονομαστούν πνευματικοί αγώνες.

Από πλευράς μορφής, όλα τα σύνολα της ʼʼAidaʼʼ είναι ελεύθερα οργανωμένες σκηνές , η κατασκευή του οποίου εξαρτάται εξ ολοκλήρου από το συγκεκριμένο ψυχολογικό περιεχόμενο. Εναλλάσσουν επεισόδια που βασίζονται σε σόλο και συνολικό τραγούδι, ρετσιτατικά και αμιγώς ορχηστρικά τμήματα. Ένα ζωντανό παράδειγμα μιας πολύ δυναμικής σκηνής-διαλόγου είναι το ντουέτο του Άδη και της Αμνέρις από την πράξη 2 (ʼʼδοκιμαστικό ντουέτοʼʼ). Οι εικόνες των δύο αντιπάλων παρουσιάζονται σε σύγκρουση και δυναμική: η εξέλιξη της εικόνας του Amneris πηγαίνει από την υποκριτική απαλότητα, τον υπαινιγμό στο απροκάλυπτο μίσος. Το φωνητικό της μέρος είναι χτισμένο κυρίως σε αξιολύπητο ρετσιτάτι. Το αποκορύφωμα σε αυτή την εξέλιξη έρχεται τη στιγμή της ʼʼρίψης της μάσκαςʼʼ - στο θέμα ''Εσύ αγαπάς, αγαπώ κι εγώ''. Ο ξέφρενος χαρακτήρας της, το εύρος της, οι απροσδόκητες προφορές χαρακτηρίζουν την αγέρωχη, αδάμαστη ιδιοσυγκρασία της Amneris.

Στην ψυχή της Aida, η απελπισία αντικαθίσταται από θυελλώδη χαρά, και μετά μια παράκληση για θάνατο. Το φωνητικό ύφος είναι πιο ανώμαλο, με κυριαρχία πένθιμων, παρακλητικών τονισμών (για παράδειγμα, arioso ''Συγχωρήστε και λυπηθείτε'', βασισμένο σε μια θλιβερή λυρική μελωδία που παίζεται με συνοδεία αψίδας). Σε αυτό το ντουέτο, ο Βέρντι χρησιμοποιεί την «τεχνική της εισβολής» - σαν να επιβεβαιώνει τον θρίαμβο του Άμνερις, οι ήχοι του αιγυπτιακού ύμνου «Στις όχθες του ιερού Νείλου» από την πρώτη εικόνα εισχωρούν στη μουσική του. Ένα άλλο θεματικό τόξο είναι το θέμα «Οι Θεοί μου» από τον μονόλογο της Aida από την Πράξη I.

Η εξέλιξη των σκηνών ντουέτο εξαρτάται πάντα από μια συγκεκριμένη δραματική κατάσταση. Ένα παράδειγμα είναι δύο ντουέτα από το 3 d. Το ντουέτο της Aida με τον Amonasro ξεκινά με την πλήρη συμφωνία τους, η οποία εκφράζεται στη σύμπτωση της θεματικής ʼʼΣύντομα θα επιστρέψουμε στην πατρίδα μαςʼʼακούγεται πρώτα στο Amonasro, μετά στην Aida), αλλά το αποτέλεσμα είναι μια ψυχολογική «αποκόλληση» εικόνων: Η Aida καταπιέζεται ηθικά σε μια άνιση μονομαχία.

Το ντουέτο της Aida με τον Radames, αντίθετα, ξεκινά με μια αντίθετη αντιπαράθεση εικόνων: τα ενθουσιώδη επιφωνήματα του Radames ( ʼʼΞανά μαζί σου, αγαπητή Άινταʼ) αντιπαραβάλλονται με το πένθιμο ρεσιτάτιο της Άιντας. Ταυτόχρονα, μέσω της υπέρβασης, της πάλης των συναισθημάτων, επιτυγχάνεται μια χαρούμενη, ενθουσιώδης συναίνεση των ηρώων (ο Radames, σε έκρηξη αγάπης, αποφασίζει να σκάσει με την Aida).

Το φινάλε της όπερας είναι επίσης χτισμένο με τη μορφή σκηνής ντουέτο, η δράση της οποίας εκτυλίσσεται σε δύο παράλληλα σχέδια - στο μπουντρούμι (αποχαιρετισμός στις ζωές της Aida και του Radames) και στο ναό που βρίσκεται πάνω από αυτό (το προσευχητικό τραγούδι των ιερειών και των λυγμών της Αμνέρις). Η όλη εξέλιξη του τελικού ντουέτου κατευθύνεται σε ένα διάφανο, εύθραυστο, στα ύψη θέμα. ''Συγχώρεσέ με, γη, συγχώρεσέ με, καταφύγιο όλων των δεινών'' (№ 268) . Από τη φύση του, είναι κοντά στο λαιτ μοτίβο της αγάπης της Άιντα.

Μαζικές σκηνές.Το ψυχολογικό δράμα στην ʼʼAidaʼ' εκτυλίσσεται σε ένα ευρύ υπόβαθρο μνημειακών μαζικών σκηνών, η μουσική των οποίων απεικονίζει τη σκηνή (Αφρική) και αναπλάθει τις σκληρές αρχαιοπρεπείς εικόνες της αρχαίας Αιγύπτου. Η μουσική βάση των μαζικών σκηνών είναι τα θέματα των πανηγυρικών ύμνων, των πορειών νίκης, των θριαμβευτικών πομπών. Υπάρχουν δύο τέτοιες σκηνές στην πράξη Ι: η σκηνή της «δοξολογίας της Αιγύπτου» και η «σκηνή αφιέρωσης του Ραντάμες».

κυρίως θέμασκηνές δοξασμού της Αιγύπτου - ένας επίσημος ύμνος των Αιγυπτίων ʼʼΣτις όχθες του ιερού Νείλουʼʼ, που ακούγεται αφότου ο φαραώ ανακοίνωσε τη βούληση των θεών: ο Ραντάμες θα ηγηθεί των αιγυπτιακών στρατευμάτων. Όλοι οι παρόντες αγκαλιάζονται από μια ενιαία μαχητική παρόρμηση. Χαρακτηριστικά του ύμνου: η ευκρίνεια του ρυθμού πορείας, η αρχική εναρμόνιση (τροπική μεταβλητότητα, η ευρεία χρήση αποκλίσεων σε δευτερεύοντες τόνους), έντονος χρωματισμός.

Η πιο μεγαλειώδης μαζική σκηνή της ʼʼAidaʼʼ από άποψη κλίμακας - τελική πράξη 2. Όπως και στη σκηνή μύησης, ο συνθέτης χρησιμοποιεί εδώ τα πιο διαφορετικά στοιχεία της οπερατικής δράσης: το τραγούδι των σολίστ, τη χορωδία και το μπαλέτο. Μαζί με την κύρια ορχήστρα, στη σκηνή χρησιμοποιείται και μια μπάντα πνευστών. Η αφθονία των συμμετεχόντων εξηγεί πολυσκοτάδιφινάλε: στη βάση δεδομένων του υπάρχουν πολλά θέματα της πιο διαφορετικής φύσης: ένας επίσημος ύμνος ''Δόξα στην Αίγυπτο'',μελωδικό θέμα γυναικείας χορωδίας ''Δάφνινα στεφάνια'',μια νικηφόρα πορεία, τη μελωδία της οποίας οδηγεί μια σόλο τρομπέτα, το δυσοίωνο μοτίβο των ιερέων, το δραματικό θέμα του μονολόγου του Amonasro, η έκκληση των Αιθίοπων για έλεος κ.λπ. Πολλά επεισόδια που συνθέτουν τον τελικό της 2ης ημέρας συνδυάζονται σε μια αρμονική συμμετρική δομή, που αποτελείται από τρία μέρη.

Το πρώτο μέρος είναι τριμερές. Πλαισιώνεται από τη χαρούμενη χορωδία ʼʼΔόξα στην Αίγυπτοʼ και το σκληρό τραγούδι των ιερέων, με βάση το μοτίβο τους. Στη μέση ακούγεται η περίφημη πορεία (σόλο τρομπέτα) και η μουσική μπαλέτου.

Το Μέρος 2 έρχεται σε αντίθεση με το ακραίο δράμα του. σχηματίζεται από επεισόδια με τη συμμετοχή του Αμονάσρο και των Αιθίοπων αιχμαλώτων, που προσεύχονται για έλεος.

Το Μέρος 3 είναι μια δυναμική επανάληψη, η οποία ξεκινά με έναν ακόμα πιο δυνατό ήχο του θέματος ''Δόξα στην Αίγυπτο''. Τώρα συνδυάζεται με τις φωνές όλων των σολίστ σύμφωνα με την αρχή της πολυφωνίας αντίθεσης.

Όπερα του Τζουζέπε Βέρντι: μια γενική επισκόπηση. - έννοια και τύποι. Ταξινόμηση και χαρακτηριστικά της κατηγορίας "Έργα όπερας του Τζουζέπε Βέρντι: μια γενική επισκόπηση." 2017, 2018.

Ένα από τα χρώματα της σημαίας της Ιταλικής Δημοκρατίας είναι πράσινο, verde, verdi... Μια καταπληκτική πρόνοια επέλεξε έναν άντρα με σύμφωνο όνομα, τον Giuseppe Verdi, για να γίνει σύμβολο της ενοποίησης της Ιταλίας και ένας συνθέτης, χωρίς τον οποίο ο Η όπερα δεν θα ήταν ποτέ όπως τη γνωρίζουμε, έτσι οι σύγχρονοι αποκαλούσαν τον μαέστρο τη φωνή της χώρας τους. Τα έργα του, που αντανακλούν μια ολόκληρη εποχή και έγιναν το απόγειο όχι μόνο της ιταλικής, αλλά και ολόκληρης της παγκόσμιας όπερας, αιώνες αργότερα είναι τα πιο δημοφιλή και τα πιο παιγμένα στις σκηνές των καλύτερων μουσικών θεάτρων. Από τη βιογραφία του Βέρντι, θα μάθετε ότι ο συνθέτης είχε μια δύσκολη μοίρα, αλλά, ξεπερνώντας όλες τις δυσκολίες της ζωής, άφησε ανεκτίμητες δημιουργίες στις επόμενες γενιές.

Διαβάστε ένα σύντομο βιογραφικό και πολλά ενδιαφέροντα στοιχεία για τον συνθέτη στη σελίδα μας.

σύντομο βιογραφικόΟ Βέρντι

Ο Giuseppe Verdi γεννήθηκε στις 10 Οκτωβρίου 1813 σε μια φτωχή οικογένεια ενός πανδοχέα και ενός κλώστη που ζούσε στο χωριό Roncole κοντά στην πόλη Busetto (τώρα είναι η περιοχή Emilia-Romagna). Από την ηλικία των πέντε ετών, το αγόρι αρχίζει να σπουδάζει μουσική σημειογραφία και να παίζει όργανο σε μια τοπική εκκλησία. Ήδη το 1823, το νεαρό ταλέντο έγινε αντιληπτό από έναν πλούσιο έμπορο, και ταυτόχρονα μέλος της Φιλαρμονικής Εταιρείας του Busetto, Antonio Barezzi, ο οποίος θα υποστήριζε τον συνθέτη μέχρι το θάνατό του. Χάρη στη βοήθειά του, ο Τζουζέπε μετακόμισε στο Μπουζέτο για να σπουδάσει στο γυμνάσιο και δύο χρόνια αργότερα άρχισε να παρακολουθεί μαθήματα αντίστιξης. Ο δεκαπεντάχρονος Βέρντι είναι ήδη συγγραφέας μιας συμφωνίας. Μετά την αποφοίτησή του από το γυμνάσιο το 1830, ο νεαρός εγκαταστάθηκε στο σπίτι του ευεργέτη του, όπου παραδίδει μαθήματα φωνητικής και πιάνου στη Μαργκερίτα, κόρη του Μπαρέτσι. Το 1836, το κορίτσι γίνεται γυναίκα του.

Σύμφωνα με τη βιογραφία του Βέρντι, μια προσπάθεια εισόδου στο Ωδείο του Μιλάνου ήταν ανεπιτυχής. Αλλά ο Τζουζέπε δεν μπορεί να επιστρέψει στο Μπουσέτο με σκυμμένο το κεφάλι. Αφού έμεινε στο Μιλάνο, παρακολουθεί ιδιαίτερα μαθήματα από έναν από τους καλύτερους δασκάλους και επικεφαλής της ορχήστρας της Σκάλας, Vincenzo Lavigna. Χάρη σε έναν τυχερό συνδυασμό περιστάσεων, λαμβάνει παραγγελία από τη Σκάλα για την πρώτη του όπερα. Τα επόμενα χρόνια, ο συνθέτης αποκτά παιδιά. Ωστόσο, η ευτυχία είναι απατηλή. Μη έχοντας ζήσει ούτε ενάμιση χρόνο, η κόρη μου πεθαίνει. Ο Βέρντι μετακομίζει στο Μιλάνο με την οικογένειά του. Αυτή η πόλη έμελλε να γνωρίσει τόσο τη μεγάλη δόξα του μαέστρου όσο και τις πιο πικρές απώλειές του. Πεθαίνει ξαφνικά το 1839 μικρός γιος, και λιγότερο από ένα χρόνο αργότερα, πέθανε και η Margherita. Έτσι, μέχρι την ηλικία των είκοσι έξι ετών, ο Βέρντι είχε χάσει ολόκληρη την οικογένειά του.

Για σχεδόν δύο χρόνια, ο Βέρντι μετά βίας τα έβγαζε πέρα ​​και ήθελε να σταματήσει τη μουσική. Και πάλι όμως μεσολάβησε η τύχη, χάρη στην οποία γεννήθηκε ο Nabucco, μετά την πρεμιέρα του οποίου το 1842 γνώρισε τεράστια επιτυχία και πανευρωπαϊκή αναγνώριση. Τα 40-50 χρόνια ήταν τα πιο παραγωγικά από άποψη δημιουργικότητας: ο Βέρντι έγραψε 20 από τις 26 όπερές του. Από το 1847, η Giuseppina Strepponi, η τραγουδίστρια που ερμήνευσε το μέρος της Abigail στην πρεμιέρα του Nabucco, έγινε η πραγματική σύζυγος του συνθέτη. Ο Βέρντι την αποκαλούσε στοργικά Πεπίνα, αλλά την παντρεύτηκε μόλις 12 χρόνια αργότερα. Η Giuseppina είχε ένα παρελθόν που ήταν αμφισβητήσιμο από την άποψη της ηθικής εκείνης της εποχής και τρία παιδιά από διαφορετικούς άνδρες. Το ζευγάρι δεν είχε κοινά παιδιά και το 1867 υιοθέτησε μια μικρή ανιψιά.

Από το 1851, ο Βέρντι ζει στο Sant'Agata, το δικό του κτήμα κοντά στο Busetto, ασχολούμενος με τη γεωργία και την κτηνοτροφία αλόγων. Ο συνθέτης συμμετείχε ενεργά πολιτική ζωήτης χώρας του: το 1860 έγινε βουλευτής του πρώτου ιταλικού κοινοβουλίου και το 1874 - γερουσιαστής στη Ρώμη. Το 1899 άνοιξε στο Μιλάνο ένα πανσιόν για ηλικιωμένους μουσικούς, που χτίστηκε με δικά του έξοδα. Ο Βέρντι, ο οποίος πέθανε στο Μιλάνο στις 27 Ιανουαρίου 1901, θάφτηκε στην κρύπτη αυτού του ιδρύματος. Επέζησε από την Peppina του έως και 13 χρόνια ... Η κηδεία του εξελίχθηκε σε μια μεγάλη πομπή, περισσότεροι από 200.000 άνθρωποι ήρθαν να δουν τον συνθέτη στο τελευταίο του ταξίδι.

Ενδιαφέροντα στοιχεία για τον Τζουζέπε Βέρντι

• Ο βασικός αντίπαλος της όπερας του Γ. Βέρντι - Ρίτσαρντ Βάγκνερ - γεννήθηκε μαζί του την ίδια χρονιά, αλλά πέθανε 18 χρόνια νωρίτερα. Αξίζει να σημειωθεί ότι με τα χρόνια ο Βέρντι έγραψε μόνο δύο όπερες - " Οθέλλος " και " falstaff ". Οι συνθέτες δεν έχουν συναντηθεί ποτέ, αλλά υπάρχουν πολλές διασταυρώσεις στη μοίρα τους. Ένα από αυτά είναι η Βενετία. Σε αυτή την πόλη έγιναν πρεμιέρες Τραβιάτα » και «», και ο Βάγκνερ πέθανε στο Palazzo Vendramin Calergi. Το βιβλίο του F. Werfel «Verdi. Μυθιστόρημα της όπερας.
• Το γενέθλιο χωριό του συνθέτη ονομάζεται πλέον επίσημα Roncole Verdi, το Ωδείο του Μιλάνου φέρει επίσης το όνομά του, στο οποίο ο μουσικός δεν μπορούσε να εισέλθει.
• Η πέμπτη όπερα του συνθέτη, Ερνάνι, έφερε στον Βέρντι μια δισκογραφική αμοιβή για αυτόν, που του επέτρεψε να σκεφτεί να αγοράσει το δικό του κτήμα.
• Η βασίλισσα της Βρετανίας Βικτώρια, αφού παρακολούθησε την πρεμιέρα του «Robbers», έγραψε στο ημερολόγιό της ότι η μουσική ήταν «θορυβώδης και μπανάλ».
• Ο μαέστρος δικαίως ονόμασε τον Ριγκολέτο μια όπερα ντουέτας, σχεδόν εντελώς απαλλαγμένη από άριες και παραδοσιακά χορωδιακά φινάλε.
• Πιστεύεται ότι δεν έχει κάθε όπερα να αντέξει οικονομικά να σκηνοθετήσει " Τροβαδούρος " ή " Πάρτυ μασκέ », αφού και οι δύο απαιτούν τέσσερις υπέροχες φωνές ταυτόχρονα - σοπράνο, μέτζο-σοπράνο, τενόρο και βαρύτονο.
• Οι στατιστικές δείχνουν ότι ο Βέρντι είναι ο συνθέτης όπερας με τις περισσότερες εμφανίσεις και η La Traviata είναι η όπερα με τις περισσότερες εμφανίσεις στον πλανήτη.
• Το "Viva VERDI" είναι αφιέρωμα στον συνθέτη και αρκτικόλεξο για τους υποστηρικτές της ιταλικής ενοποίησης, όπου VERDI σήμαινε: Vittorio Emanuele Re D'Italia (Βίκτωρ Εμμανουήλ - Βασιλιάς της Ιταλίας).

• Υπάρχουν δύο " Δον Κάρλος- Γαλλικά και Ιταλικά. Διαφέρουν όχι μόνο στη γλώσσα του λιμπρέτου, στην πραγματικότητα είναι δύο διαφορετικές εκδοχές της όπερας. Τι θεωρείται λοιπόν ο «γνήσιος» «Δον Κάρλος»; Είναι αδύνατο να απαντηθεί κατηγορηματικά σε αυτό το ερώτημα, καθώς υπάρχουν ακόμη και διαφορές μεταξύ της εκδοχής που παρουσιάστηκε στην πρεμιέρα του Παρισιού και αυτής που παρουσιάστηκε στη δεύτερη παράσταση δύο ημέρες αργότερα. Δεν υπάρχει μία, αλλά τουλάχιστον τρεις ιταλικές εκδοχές: η πρώτη, που δημιουργήθηκε για μια παραγωγή στη Νάπολη το 1872, μια έκδοση τεσσάρων πράξεων του 1884 για τη Σκάλα, μια πεντάπρακτη έκδοση χωρίς μπαλέτο το 1886 για μια παράσταση στη Μόντενα . Τα πιο διάσημα, που εκτελούνται και δημοσιεύονται σε δίσκους σήμερα είναι η κλασική γαλλική έκδοση και η "Milanese" ιταλική έκδοση.
• Από το 1913, το ετήσιο φεστιβάλ όπερας «Arena di Verona» διοργανώνεται στο αρχαίο ρωμαϊκό αμφιθέατρο της Βερόνας. Η πρώτη παράσταση ήταν " Άιντα” προς τιμήν της εκατονταετηρίδας του Βέρντι. Το 2013 η «Aida» ήταν επίσης το επίκεντρο του επετειακού προγράμματος του φεστιβάλ.

Δημιουργικότητα Giuseppe Verdi

πρώτη όπερα, "Ομπέρτο, κόμης ντι Σαν Μπανιφάτσο", εγκρίθηκε για σκηνοθεσία για φιλανθρωπική παράσταση στη Σκάλα. Η πρεμιέρα του στέφθηκε με επιτυχία και το θέατρο υπέγραψε συμβόλαιο με τον εκκολαπτόμενο συγγραφέα για άλλες τρεις όπερες. Αλλά το επόμενο, King for a Day, ήταν ένα καταστροφικό φιάσκο. Αυτό το έργο δόθηκε στον Βέρντι με απίστευτη δυσκολία. Πώς να γράψετε μια κωμική όπερα μόλις θάψετε ένα παιδί και μια γυναίκα; Όλος ο πόνος που βίωσε ο συνθέτης βρήκε τον δρόμο του στη μουσική για τη δραματική βιβλική ιστορία για τον Ναβουχοδονόσορ. Ο Βέρντι έλαβε το χειρόγραφο του λιμπρέτου του Temistocle Solera τυχαία συναντώντας τον ιμπρεσάριο La Scala στο δρόμο. Και στην αρχή ήθελε να αρνηθεί, αλλά η πλοκή τον αιχμαλώτισε τόσο πολύ που η μουσική "Ναμπούκο"έγινε ένα τεράστιο γεγονός. Και η χορωδία από αυτό "Va, pensiero" μετατράπηκε στον ανεπίσημο ύμνο της Ιταλίας, τον οποίο οι Ιταλοί γνωρίζουν ακόμα από έξω.

Επαναλάβετε την επιτυχία του "Nabucco" κλήθηκαν «Λομβαρδοί στην πρώτη σταυροφορία» , που παρουσίασε στο κοινό η Σκάλα ένα χρόνο αργότερα. Και ένα χρόνο αργότερα, πραγματοποιήθηκε η πρεμιέρα μιας όπερας που γράφτηκε κατόπιν παραγγελίας ενός άλλου θεάτρου κύρους και επιρροής - για το βενετσιάνικο La Fenice, ο Βέρντι δημιούργησε "Ερνάνη", που έγινε το πρώτο κοινό έργο του συνθέτη και λιμπρετίστα Francesco Maria Piave, Βενετού, με τον οποίο θα δημιουργήσουν άλλα επτά έργα. Ο «Ερνάνη» μίλησε στο κοινό σε μια εντελώς διαφορετική μουσική γλώσσα από τις προηγούμενες συνθέσεις του. Ήταν μια ιστορία για προσωπικότητες και πάθη, εκφρασμένη τόσο ζωντανά και αυθεντικά που δικαίως αποκαλείται η πρώτη πραγματικά «Βέρντι» όπερα. Αυτή στην οποία διαμορφώθηκε το μοναδικό συγγραφικό ύφος του δημιουργού του. Αυτό το στυλ παγιώθηκε από τα επόμενα έργα: "Δυο Φοσκαρι"και "Ιωάννα της Λωραίνης".

Το τρίτο πιο σημαντικό ιταλικό θέατρο εκείνων των χρόνων ήταν το ναπολιτάνικο Σαν Κάρλο, για το οποίο το 1845 έγραψε ο Βέρντι "Alziru"Βασισμένο στην ομώνυμη τραγωδία του Βολταίρου. Ήταν ένα έργο σε συνεργασία με τον διάσημο λιμπρετίστα Salvatore Cammarano. Ωστόσο, η όπερα του δόθηκε σκληρά και χωρίς έμπνευση, αρρώστησε πολύ. Αυτός είναι ίσως ο λόγος που η σκηνική της ζωή ήταν σύντομη. Πολύ αργότερα, ο μαέστρος το αναγνωρίζει ως ίσως το πιο αποτυχημένο δημιούργημά του. Την καλύτερη υποδοχή περίμενε την πρεμιέρα στη Βενετία "Αττίλας"το 1846, αν και η δημιουργία του επίσης δεν έφερε δημιουργική ικανοποίηση στον συνθέτη. «Τα χρόνια της φυλάκισής μου» - έτσι θα χαρακτηρίσει ο ίδιος την περίοδο 43-46 ετών, όταν έγραψε 5 όπερες.

Από τη βιογραφία του Βέρντι, μαθαίνουμε ότι μετά από μια σύντομη ανάκαμψη, ο συνθέτης αναλαμβάνει δύο όπερες ταυτόχρονα: "Μάκβεθ"για τη Φλωρεντία και "ληστές"για το Covent Garden του Λονδίνου. Και, αν δουλέψει με ενθουσιασμό το πρώτο, τότε το δεύτερο γίνεται άλλο βάρος. Επόμενη εμφάνιση "Κουρσάρος"και "Μάχη του Legnano", ολοκληρώνοντας μια σειρά από μπραβούρα-ηρωικά έργα του μαέστρου. "Λουίζ Μίλερ", που ανέβηκε το 1849, έγινε συνέχεια του θέματος Ερνάνι, στο οποίο έρχονται στο προσκήνιο οι ανθρώπινες μοίρες και αισθήματα. Η διαμόρφωση του αληθινού στυλ του Βέρντι εδραιώθηκε από την επόμενη δουλειά του, "Στιφέλιο", και μέχρι σήμερα ελάχιστα γνωστό, εντελώς, ωστόσο, αναξιοκρατικά. Παράλληλα με αυτό, ο συνθέτης αρχίζει να συνθέτει το πρώτο του αναμφισβήτητο αριστούργημα, το «».

Από την πρεμιέρα του στη Βενετία το 1851, δεν έπαψε ποτέ να παίζεται σε θέατρα σε όλο τον κόσμο. Ο Βέρντι ανέλαβε ο ίδιος την πλοκή του έργου του Βίκτορ Ουγκώ Ο βασιλιάς διασκεδάζει, το οποίο αφαιρέθηκε από τις παρισινές σκηνές από τους τοπικούς λογοκριτές για την ανηθικότητα της πλοκής. Η όπερα είχε σχεδόν την ίδια μοίρα, αλλά ο Piave επιμελήθηκε την πλοκή και η παράσταση πήγε στο κοινό, αποτελώντας σχεδόν επανάσταση στην τέχνη της όπερας: η ορχήστρα δεν έπαιζε πλέον ως ένα συνοδευτικό όργανο, ο ήχος της έγινε εκφραστικός και περίπλοκος. Το «Rigoletto» αφηγείται μια ολόκληρη δραματική ιστορία, σχεδόν χωρίς να σκίζει το περίγραμμα της ιστορίας σε ξεχωριστές άριες. Η όπερα ανοίγει τη λεγόμενη «ρομαντική τριλογία», που συνεχίζεται από τους Il trovatore και La Traviata.

"Τροβαδούρος", που ανέβηκε στη Ρώμη το 1853, έγινε μια από τις πιο δημοφιλείς όπερες όσο ζούσε ο Βέρντι. Είναι ένας πραγματικός θησαυρός εκπληκτικών μελωδιών. Το Il trovatore είναι επίσης ενδιαφέρον επειδή ένα από τα κύρια μέρη γράφτηκε για μεσόφωνο - μια φωνή που συνήθως έπαιρνε δευτερεύοντες ρόλους. Στη συνέχεια, ο συνθέτης θα δημιουργήσει μια ολόκληρη γκαλερί από υπέροχες ηρωίδες για χαμηλή γυναικεία φωνή: Ulrika, Eboli, Amneris. Εν τω μεταξύ, η φαντασία του μαέστρου έχει ήδη αιχμαλωτίσει την πλοκή του έργου που κυκλοφόρησε πρόσφατα ο γιος του Αλέξανδρου Δουμά "Η Κυρία των Καμέλιων" - τραγική ιστορίααγάπη και αυτοθυσία. Ο Βέρντι δούλεψε με μανία σε αυτή την όπερα και η μουσική γράφτηκε ολοκληρωτικά σε 40 μέρες. "La Traviata"- αυτή είναι η λατρεία μιας γυναίκας, ίσως αυτή είναι η δημιουργική αφιέρωση του Βέρντι στη σύντροφό του Giuseppina Strepponi. Είναι δύσκολο να φανταστεί κανείς, αλλά αυτό το απόλυτο αριστούργημα ήταν μια ηχηρή αποτυχία στην πρεμιέρα στο La Fenice. Το κοινό εξοργίστηκε που η ηρωίδα της όπερας ήταν μια πεσμένη γυναίκα, επιπλέον, όχι από μακρινές εποχές, αλλά η σύγχρονη τους. Ωστόσο, ο Βέρντι αντιλαμβάνεται αυτό το φιάσκο πιο ήρεμα από πριν - είναι σίγουρος για τη μουσική του, η ιδιοφυΐα του προστατεύει πλήρως τον δημιουργό του. Και ο μαέστρος αποδεικνύεται ότι έχει και πάλι δίκιο: θα περάσει μόνο ένας χρόνος και, έχοντας υποστεί μια μικρή αναθεώρηση, η La Traviata θα επιστρέψει θριαμβευτικά στη βενετσιάνικη σκηνή.

Η επόμενη παραγγελία έρχεται από το Παρίσι και το 1855 ανεβαίνει η σκηνή της Μεγάλης Όπερας «Σικελικός Εσπερινός»βασισμένο στο λιμπρέτο του διάσημου Γάλλου θεατρικού συγγραφέα Eugene Scribe. Αυτή η όπερα είναι επίσης σημαντική γιατί ο συνθέτης μιλάει ξανά για την ελευθερία από τους σκλάβους, στην πραγματικότητα, για την ελευθερία της Ιταλίας του, στην οποία ωριμάζουν επαναστατικές διαθέσεις. Τα επόμενα χρόνια αφιερώνονται στη δημιουργία «Σιμόνα Μποκκανέγκρα», που περιμένει μια δύσκολη μοίρα. Ένα από τα πιο φιλόδοξα σχέδια του μαέστρου, μια από τις πιο σκοτεινές όπερες του, μια από τις πιο σημαντικές του, δεν κέρδισε την επιτυχία στο κοινό μετά τη βενετική παραγωγή του 1857. Ο λόγος για αυτό ήταν μάλλον μια ζοφερή, σκοτεινή πλοκή με επίκεντρο την πολιτική γραμμή, καταθλιπτικούς χαρακτήρες. Οι κριτικοί κατηγόρησαν τον συνθέτη για βαριά μουσική, τολμηρό χειρισμό της αρμονίας και τραχύ φωνητικό στυλ. Θα περάσουν περισσότερα από είκοσι χρόνια και ο Βέρντι θα επιστρέψει στη Μποκανέγκρα, ξαναδουλεύοντάς το εντελώς. Αυτή η νέα έκδοση με λιμπρέτο του Arrigo Boito είναι ακόμα στις αίθουσες σήμερα.

Ο Βέρντι στρέφεται στην πλοκή του Σκριμπ την επόμενη φορά. Η επιλογή έπεσε "Πάρτυ μασκέ"- η ιστορία του θανάτου του Σουηδού βασιλιά Γουσταύου Γ'. Η λογοκρισία απέρριψε το λιμπρέτο, αφού ήταν αδιανόητο να προβληθεί στη σκηνή η δολοφονία ενός βασιλικού προσώπου από έναν εξαπατημένο σύζυγο, και αυτό που συνέβη τόσο πρόσφατα (το πραγματικό γεγονός συνέβη το 1792). Ως αποτέλεσμα, το λιμπρέτο έπρεπε να αλλάξει - η δράση μεταφέρθηκε στην Αμερική και ο κυβερνήτης της Βοστώνης, Ρίτσαρντ, έπεσε θύμα των ζηλευτών. Η επιτυχία μετά την παραγωγή στη Ρώμη ήταν συντριπτική, η όπερα εξαντλήθηκε γρήγορα σε «επιτυχίες», τις οποίες τραγουδούσαν ακόμη και περαστικοί στο δρόμο. Το 1861, ο Βέρντι συμφωνεί τελικά με μια άλλη πρόταση από το Αυτοκρατορικό Θέατρο της Αγίας Πετρούπολης και στα τέλη του ίδιου έτους φτάνει στη ρωσική πρωτεύουσα για να σκηνοθετήσει "Δυνάμεις του πεπρωμένου", η πρεμιέρα του οποίου, για διάφορους λόγους, καθυστέρησε μέχρι τις 10 Νοεμβρίου 1862. Η όπερα σημείωσε επιτυχία, ωστόσο, σε μεγαλύτερο βαθμό λόγω του ονόματος του συνθέτη παρά λόγω των δικών του αξιών. Ωστόσο, παρά την περίπλοκη πλοκή και την κάπως παλιομοδίτικη επική αφήγηση, η Δύναμη του Πεπρωμένου καθιερώθηκε ως αναμφισβήτητη επιτυχία κατά τη διάρκεια της ζωής του Βέρντι.

Περνούν αρκετά χρόνια, τα οποία ο συνθέτης περνά στη Sant'Agata για καθημερινές αγροτικές υποθέσεις και την αλλαγή του Macbeth. Μόνο το 1866 ο Βέρντι ανέλαβε ένα νέο έργο, το οποίο θα γινόταν το μεγαλύτερο και πιο φιλόδοξο. Η κύρια πηγή είναι και πάλι ένα θεατρικό έργο του Σίλερ, αυτή τη φορά - «Δον Κάρλος». Το λιμπρέτο δημιουργείται στα γαλλικά, καθώς πελάτης του είναι η Grand Opera του Παρισιού. Ο Βέρντι εργάζεται για πολύ καιρό και με ενθουσιασμό, αλλά η πρεμιέρα αντιμετωπίζεται με ψυχραιμία από το κοινό και κριτική. Το Παρίσι δεν εκτιμούσε το ασυνήθιστο μουσικό ύφος του Δον Κάρλος· η θριαμβευτική πομπή της όπερας στις παγκόσμιες σκηνές ξεκίνησε με την παραγωγή του Λονδίνου της ίδιας χρονιάς, 1867.

Τον Νοέμβριο του 1870, ο μαέστρος ολοκλήρωσε την όπερα που ανέθεσε η αιγυπτιακή κυβέρνηση. "Αϊντα"βγαίνει στο Κάιρο και μόλις λίγους μήνες αργότερα - στη Σκάλα. Η ιταλική πρεμιέρα ήταν μια νίκη χωρίς επιφυλάξεις για τον συνθέτη και τη θεωρεί ταιριαστό τέλος στην καριέρα του στην όπερα. Το 1873 πεθαίνει ο συγγραφέας Alessandro Manzoni, τον οποίο θαύμαζε ο Βέρντι. Στη μνήμη του, καθώς και του Ροσίνι, στον θάνατο του οποίου λίγα χρόνια νωρίτερα ο συνθέτης δημιούργησε μέρος της νεκρώσιμης λειτουργίας, ο Βέρντι γράφει ένα Ρέκβιεμ, αφιερώνοντάς το σε δύο σπουδαίους σύγχρονους.

Μετά την Aida, δεν ήταν εύκολο να δελεάσεις τον Verdi πίσω στο θέατρο. Μόνο μια σαιξπηρική ιστορία θα μπορούσε να το κάνει αυτό "Οθέλλος". Από το 1879, ο μαέστρος εργάζεται πάνω σε μια όπερα βασισμένη σε λιμπρέτο του Arrigo Boito, δημιουργώντας ένα από τα πιο περίπλοκα κομμάτια τενόρου του 19ου αιώνα. Στον Οθέλλο, η μαεστρία του Βέρντι βρίσκει την πληρότητά της· η μουσική του ποτέ δεν ήταν τόσο άρρηκτα συνδεδεμένη με τη δραματική βάση. Έξι χρόνια αργότερα, ο ογδόνταχρονος συνθέτης αποφασίζει να κανονίσει έναν πραγματικό αποχαιρετισμό στη σκηνή συνθέτοντας μια κωμική όπερα - τη δεύτερη στη βιογραφία του, η οποία χώριζε από την πρώτη σχεδόν μισό αιώνα. Η πλοκή, πάλι σαιξπηρική, προτάθηκε από τον Boito. Ο Βέρντι, ο οποίος με τα χρόνια απέκτησε τη φήμη του αξεπέραστου δραματουργού, επιβεβαιώνεται και ως μάστερ της κωμωδίας προς το τέλος της καριέρας του. Το αποκορύφωμα του έργου του συνθέτη ήταν η όπερα "Falstaff"γεμάτη από μια χαρά της ζωής που συναντάμε μόνο στα πραγματικά σπουδαιότερα έργα τέχνης.

Η λίστα με τις ταινίες όπου ακούγεται η μουσική του Βέρντι είναι ατελείωτη, υπάρχουν περισσότερες από χίλιες από αυτές, οι νεότερες και δημοφιλέστερες:

• La La Land (2016)
• 007: SPECTER (2015)
• Είμαι η αρχή (2014)
• Django Unchained (2012)
• Μαδαγασκάρη 3 (2012)
• Twilight (2008)

Ας σταθούμε σε αρκετές ενδιαφέρουσες διασκευές των όπερων του Βέρντι:

• Η Σοφία Λόρεν έπαιξε την Άιντα στην ομώνυμη ταινία του 1953, την οποία τραγούδησε η Ρενάτα Τεμπάλντι.
• Το 1982, βγήκε η καταπληκτική εικόνα του Φράνκο Τζεφιρέλι "La Traviata" με την Τερέζα Στράτας και τον Πλάτσιντο Ντομίνγκο - όμορφη, κομψή, με απίστευτα αξιόπιστους χαρακτήρες, χωρίς οπερατική επιτηδειότητα.
• Η δημιουργική ένωση Domingo και Zeffirelli βρήκε μια συνέχεια στο έργο τέσσερα χρόνια αργότερα στην κινηματογραφική μεταφορά του Othello.
• Περίεργη είναι η μεταμόρφωση του Domingo στο βαρύτονο μέρος του Rigoletto στην ταινία του 2010 Rigoletto in Mantua, που γυρίστηκε σε ιστορικούς εσωτερικούς χώρους.

Αντίθετα, δεν υπάρχουν τόσες πολλές ταινίες βασισμένες στη βιογραφία του Βέρντι. Η πιο διάσημη από αυτές είναι η ιταλική μίνι σειρά Verdi του 1982, στην οποία τον ομώνυμο ρόλο έπαιξε ο Βρετανός ηθοποιός Ronald Pickup και η Giuseppina Strepponi η διάσημη μπαλαρίνα Carla Fracci. Αυτή η εικόνα δίνει μια ευρεία ματιά στην προσωπικότητα του Βέρντι και στα ιστορικά γεγονότα εκείνης της εποχής, άρρηκτα συνδεδεμένα όχι μόνο με τη ζωή του συνθέτη, αλλά και με τη μοίρα όλης της Ευρώπης. Ο Ρενάτο Καστελάνι δημιούργησε ένα τρισδιάστατο κινηματογραφικό πορτρέτο του Βέρντι, η ταινία περιέχει τα αληθινά λόγια του μαέστρου από τις επιστολές του και τα απομνημονεύματα των συγχρόνων του. Ο Ronald Pickup μετέφερε με ακρίβεια την εκρηκτική, συχνά συννεφιασμένη, αλλά απλή και ειλικρινή φύση της ξέφρενης ιδιοφυΐας.

Η μόδα αλλάζει, οι δεκαετίες περνούν και η μουσική Ο Βέρντιόχι μόνο δεν χάνει τη δημοτικότητά του, αλλά βρίσκει και νέους ακροατές. Ποιο είναι το μυστικό της; Ότι είναι διαχρονικό και μιλάει τη γλώσσα των ανθρώπινων συναισθημάτων, κατανοητό σε όλους όσοι ακούνε, ανεξαρτήτως έθνους, θρησκείας ή πολιτισμού. Αγαπά και αμφιβάλλει, συμπάσχει και παρηγορεί, γελάει και χαίρεται μαζί μας. Ίσως είναι χάρη σε αυτό δύσκολη μοίρα, ο συνθέτης χάρισε σε πολλές γενιές την απίστευτη ευτυχία να γνωρίσουν το αθάνατο ταλέντο του.

Βίντεο: δείτε μια ταινία για τον Βέρντι

Ο Βέρντι Τζουζέπε, του οποίου η βιογραφία παρουσιάζεται στο άρθρο, είναι ένας διάσημος Ιταλός συνθέτης. Τα χρόνια της ζωής του είναι 1813-1901. Πολλά αθάνατα έργα δημιουργήθηκαν από τον Βέρντι Τζουζέπε. Η βιογραφία αυτού του συνθέτη είναι σίγουρα άξια προσοχής.

Το έργο του θεωρείται το υψηλότερο σημείο στην ανάπτυξη της μουσικής του 19ου αιώνα στην πατρίδα του. Πάνω από μισός αιώνας κάλυψε τις δραστηριότητες του Βέρντι ως συνθέτη. Συνδέθηκε κυρίως με το είδος της όπερας. Ο Βέρντι δημιούργησε το πρώτο από αυτά όταν ήταν 26 ετών ("Oberto, Count di San Bonifacio"), και το τελευταίο έγραψε σε ηλικία 80 ετών ("Falstaff"). Ο συγγραφέας 32 όπερων (συμπεριλαμβανομένων νέων εκδόσεων έργων που γράφτηκαν νωρίτερα) είναι ο Βέρντι Τζουζέπε. Η βιογραφία του μέχρι σήμερα παρουσιάζει μεγάλο ενδιαφέρον και οι δημιουργίες του Βέρντι εξακολουθούν να περιλαμβάνονται στο κύριο ρεπερτόριο των θεάτρων σε όλο τον κόσμο.

Καταγωγή, παιδική ηλικία

Ο Τζουζέπε γεννήθηκε στο Ρόνκολ. Το χωριό αυτό βρισκόταν στην επαρχία της Πάρμας, η οποία εκείνη την εποχή ήταν μέρος της Ναπολεόντειας Αυτοκρατορίας. Η παρακάτω φωτογραφία δείχνει το σπίτι στο οποίο γεννήθηκε και πέρασε τα παιδικά του χρόνια ο συνθέτης. Είναι γνωστό ότι ο πατέρας του ήταν έμπορος παντοπωλείου και διατηρούσε κάβα.

Ο Βέρντι Τζουζέπε έλαβε τα πρώτα του μαθήματα μουσικής από τον οργανοπαίκτη της τοπικής εκκλησίας. Η βιογραφία του χαρακτηρίζεται από το πρώτο σημαντικό γεγονός το 1823. Τότε ήταν που ο μελλοντικός συνθέτης στάλθηκε στο Busseto, μια γειτονική πόλη, όπου συνέχισε τις σπουδές του στο σχολείο. Σε ηλικία 11 ετών, ο Τζουζέπε άρχισε να δείχνει έντονες μουσικές ικανότητες. Το αγόρι άρχισε να ενεργεί ως οργανίστας στο Ronkol.

Ο Giuseppe παρατήρησε τον A. Barezzi, έναν πλούσιο έμπορο από το Busseto, ο οποίος προμήθευε το κατάστημα του πατέρα του αγοριού και είχε μεγάλο ενδιαφέρον για τη μουσική. Στο συγκεκριμένο πρόσωπο οφείλει τη μουσική του παιδεία ο μελλοντικός συνθέτης. Ο Μπαρέτσι τον πήγε στο σπίτι του, προσέλαβε τον καλύτερο δάσκαλο για το αγόρι και άρχισε να πληρώνει για την εκπαίδευσή του στο Μιλάνο.

Ο Giuseppe γίνεται μαέστρος, σπουδάζοντας με τον V. Lavigny

Σε ηλικία 15 ετών ήταν ήδη ο μαέστρος μιας μικρής ορχήστρας του Τζουζέπε Βέρντι. Το σύντομο βιογραφικό του συνεχίζεται με την άφιξή του στο Μιλάνο. Πήγε εδώ με τα χρήματα που μάζευαν οι φίλοι του πατέρα του. Στόχος του Τζουζέπε ήταν να μπει στο ωδείο. Ωστόσο, δεν έγινε δεκτός σε αυτό εκπαιδευτικό ίδρυμαλόγω έλλειψης ικανότητας. Παρόλα αυτά, ο V. Lavigna, Μιλανέζος μαέστρος και συνθέτης, εκτίμησε το ταλέντο του Τζουζέπε. Άρχισε να διδάσκει τις συνθέσεις του δωρεάν. Η γραφή και η ενορχήστρωση όπερας κατανοήθηκαν στην πράξη, στις όπερες του Μιλάνου Τζουζέπε Βέρντι. Η σύντομη βιογραφία του σημαδεύεται από την εμφάνιση των πρώτων έργων λίγα χρόνια αργότερα.

Πρώτα έργα

Ο Βέρντι έζησε στο Μπουσέτο μεταξύ 1835 και 1838 και εργάστηκε ως μαέστρος στη δημοτική ορχήστρα. Ο Τζουζέπε δημιούργησε την πρώτη του όπερα το 1837 με τον τίτλο Oberto, San Bonifacio. Αυτό το έργο ανέβηκε 2 χρόνια αργότερα στο Μιλάνο. Ήταν μια μεγάλη επιτυχία. Με εντολή της Σκάλας, του διάσημου θεάτρου του Μιλάνου, ο Βέρντι έγραψε μια κωμική όπερα. Το ονόμασε «Φανταστικός Στανισλάβ, ή μια μέρα της βασιλείας». Ανέβηκε το 1840 («Ο βασιλιάς για μια ώρα»). Ένα άλλο έργο, η όπερα «Nabucco», παρουσιάστηκε στο κοινό το 1842 («Nevuchadnezzar»). Σε αυτό, ο συνθέτης αντανακλούσε τις φιλοδοξίες και τα συναισθήματα του ιταλικού λαού, που εκείνα τα χρόνια ξεκίνησε τον αγώνα για ανεξαρτησία, για να απαλλαγεί από τον αυστριακό ζυγό. Το κοινό είδε στα δεινά του εβραϊκού λαού, που βρισκόταν σε αιχμαλωσία, μια αναλογία με τη σύγχρονη Ιταλία. Ενεργές πολιτικές εκδηλώσεις προκάλεσε η χορωδία των αιχμαλώτων Εβραίων από αυτό το έργο. Η επόμενη όπερα του Τζουζέπε, Οι Λομβαρδοί στη Σταυροφορία, απηχούσε επίσης εκκλήσεις για ανατροπή της τυραννίας. Ανέβηκε στο Μιλάνο το 1843. Και στο Παρίσι το 1847 παρουσιάστηκε στο κοινό η δεύτερη έκδοση αυτής της όπερας με μπαλέτο («Ιερουσαλήμ»).

Ζωή στο Παρίσι, γάμος με τον J. Strepponi

Την περίοδο από το 1847 έως το 1849 βρέθηκε κυρίως στη γαλλική πρωτεύουσα Τζουζέπε Βέρντι. Η βιογραφία και το έργο του εκείνη την εποχή σημαδεύτηκαν από σημαντικά γεγονότα. Ήταν στη γαλλική πρωτεύουσα που έκανε νέα έκδοση«Λομβαρδοί» («Ιερουσαλήμ»). Επιπλέον, στο Παρίσι, ο Βέρντι συνάντησε τη φίλη του, Giuseppina Strepponi (το πορτρέτο της παρουσιάζεται παραπάνω). Αυτός ο τραγουδιστής συμμετείχε σε παραγωγές των "Lombards" και "Nabucco" στο Μιλάνο και ήδη εκείνα τα χρόνια έγινε κοντά στον συνθέτη. Τελικά παντρεύτηκαν μετά από 10 χρόνια.

Χαρακτηριστικά του πρώιμου έργου του Βέρντι

Σχεδόν όλα τα έργα του Τζουζέπε της πρώτης περιόδου της δημιουργικότητας είναι διαποτισμένα με πατριωτικές διαθέσεις, ηρωικό πάθος. Συνδέονται με τον αγώνα κατά των καταπιεστών. Αυτό, για παράδειγμα, το γράφει ο Hugo «Ernani» (η πρώτη παραγωγή έγινε στη Βενετία το 1844). Ο Βέρντι δημιούργησε το έργο του «The Two Foscari» μετά τον Βύρωνα (η πρεμιέρα έγινε στη Ρώμη το 1844). Ενδιαφέρθηκε επίσης για το έργο του Σίλερ. Η Υπηρέτρια της Ορλεάνης παρουσιάστηκε στο Μιλάνο το 1845. Την ίδια χρονιά έγινε στη Νάπολη η πρεμιέρα του «Alzira» του Βολταίρου. Ο Μάκβεθ του Σαίξπηρ ανέβηκε στη Φλωρεντία το 1847. Οι όπερες Μάκβεθ, Αττίλας και Ερνάνι είχαν τη μεγαλύτερη επιτυχία ανάμεσα στις συνθέσεις αυτής της εποχής. Σκηνικές καταστάσεις από αυτά τα έργα θύμισαν στο κοινό την κατάσταση στη χώρα τους.

Η απάντηση του Τζουζέπε Βέρντι στη Γαλλική Επανάσταση

Βιογραφία, περίληψηέργα και μαρτυρίες των συγχρόνων του συνθέτη δείχνουν ότι ο Βέρντι ανταποκρίθηκε θερμά στη Γαλλική Επανάσταση του 1848. Ήταν μάρτυρας της στο Παρίσι. Επιστρέφοντας στην Ιταλία, ο Βέρντι συνέθεσε τη Μάχη του Legnano. Αυτή η ηρωική όπερα ανέβηκε στη Ρώμη το 1849. Η δεύτερη έκδοση του αναφέρεται στο 1861 και παρουσιάστηκε στο Μιλάνο ("The Siege of Harlem"). Αυτό το έργο περιγράφει πώς οι Λομβαρδοί πολέμησαν για την ενοποίηση της χώρας. Ο Mazzini, ένας Ιταλός επαναστάτης, ανέθεσε στον Giuseppe να γράψει έναν επαναστατικό ύμνο. Εμφανίστηκε λοιπόν το έργο «The Trumpet Sounds».

Δεκαετία 1850 στο έργο του Βέρντι

Η δεκαετία του 1850 είναι μια νέα περίοδος στο έργο του Giuseppe Fortunino Francesco Verdi. Η βιογραφία του σημαδεύτηκε από τη δημιουργία όπερων που αντικατοπτρίζουν τις εμπειρίες και τα συναισθήματα των απλών ανθρώπων. Ο αγώνας των φιλελεύθερων ατόμων ενάντια στην αστική κοινωνία ή τη φεουδαρχική καταπίεση έγινε το κεντρικό θέμα του έργου του συνθέτη εκείνης της εποχής. Ακούγεται ήδη στις πρώτες όπερες που σχετίζονται με αυτήν την περίοδο. Το 1849, η Louise Miller παρουσιάστηκε στο κοινό στη Νάπολη. Το έργο αυτό βασίζεται στο δράμα «Cunning and Love» του Schiller. Το 1850, το Stiffelio ανέβηκε στην Τεργέστη.

Το θέμα της κοινωνικής ανισότητας αναπτύχθηκε με ακόμη μεγαλύτερη ισχύ σε τέτοιες αθάνατες δημιουργίες όπως οι Rigoletto (1851), Il trovatore (1853) και La Traviata (1853). Η φύση της μουσικής σε αυτές τις όπερες είναι πραγματικά λαϊκή. Έδειξαν το χάρισμα του συνθέτη ως θεατρικού συγγραφέα και μελωδού, αντανακλώντας την αλήθεια της ζωής στα έργα του.

Η ανάπτυξη του είδους «grand opera».

Οι παρακάτω δημιουργίες του Βέρντι γειτνιάζουν με το είδος της «grand opera». Πρόκειται για τέτοια ιστορικά και ρομαντικά έργα όπως ο "Σικελικός Εσπερινός" (που ανέβηκε στο Παρίσι το 1855), "Un ballo in maschera" (πρεμιέρα στη Ρώμη το 1859), "Δύναμη του πεπρωμένου", γραμμένο με εντολή του θεάτρου Μαριίνσκι. Παρεμπιπτόντως, σε σχέση με το ανέβασμα της τελευταίας όπερας του Βέρντι το 1862, επισκέφτηκε την Αγία Πετρούπολη δύο φορές. Η παρακάτω φωτογραφία δείχνει το πορτρέτο του, κατασκευασμένο στη Ρωσία.

Το 1867 εμφανίστηκε ο Δον Κάρλος, γραμμένος μετά τον Σίλερ. Σε αυτές τις όπερες, τα στενά και αγαπημένα θέματα του Τζουζέπε για την καταπολέμηση των καταπιεστών και της ανισότητας ενσωματώνονται σε παραστάσεις που είναι γεμάτες με αντίθετες, θεαματικές σκηνές.

Όπερα "Aida"

Με την όπερα «Αΐντα» ξεκινά μια νέα περίοδος του έργου του Βέρντι. Παραγγέλθηκε από τον Αιγύπτιο Khedive στον συνθέτη σε σχέση με ένα σημαντικό γεγονός - το άνοιγμα της διώρυγας του Σουέζ. Η A. Mariett-bey, γνωστή αιγυπτιολόγος, πρόσφερε στον συγγραφέα μια ενδιαφέρουσα ιστορία, η οποία παρουσιάζει τη ζωή της Αρχαίας Αιγύπτου. Ο Βέρντι ενδιαφέρθηκε για αυτή την ιδέα. Ο λιμπρετίστας Gislanzoni εργάστηκε στο λιμπρέτο με τον Verdi. Το Aida έκανε πρεμιέρα στο Κάιρο το 1871. Η επιτυχία ήταν τεράστια.

Μεταγενέστερη δουλειά του συνθέτη

Μετά από αυτό, ο Τζουζέπε δεν δημιούργησε νέες όπερες για 14 χρόνια. Αναθεώρησε τα παλιά του έργα. Για παράδειγμα, στο Μιλάνο το 1881, έγινε η πρεμιέρα της δεύτερης έκδοσης της όπερας Simon Boccanegra, που γράφτηκε το 1857 από τον Τζουζέπε Βέρντι. Είπαν για τον συνθέτη ότι λόγω της μεγάλης ηλικίας του δεν μπορούσε πλέον να δημιουργήσει κάτι νέο. Ωστόσο, σύντομα εξέπληξε το κοινό. Ο 72χρονος Ιταλός συνθέτης Βέρντι Τζουζέπε ανακοίνωσε ότι εργάζεται πάνω σε μια νέα όπερα, τον Οθέλλο. Ανέβηκε στο Μιλάνο το 1887 και με μπαλέτο - στο Παρίσι το 1894. Και λίγα χρόνια αργότερα, ο 80χρονος Τζουζέπε παρακολούθησε την πρεμιέρα ενός νέου έργου που δημιουργήθηκε επίσης για την παραγωγή του Φάλσταφ στο Μιλάνο το 1893. Ο Τζουζέπε βρήκε τον υπέροχο λιμπρετίστα Μποϊτό για σαιξπηρικές όπερες. Στην παρακάτω φωτογραφία - Boito (αριστερά) και Verdi.

Ο Τζουζέπε, στις τρεις τελευταίες όπερες του, προσπάθησε να διευρύνει τις φόρμες, να συγχωνεύσει τη δραματική δράση και τη μουσική. Έδωσε νέο νόημα στο ρετσιτάτι, ενίσχυσε τον ρόλο που έπαιξε η ορχήστρα στην αποκάλυψη εικόνων.

Η πορεία του ίδιου του Βέρντι στη μουσική

Όσο για τα άλλα έργα του Τζουζέπε, ανάμεσά τους ξεχωρίζει το Ρέκβιεμ. Είναι αφιερωμένο στη μνήμη του Α. Μαντζώνη, διάσημου ποιητή. Το έργο του Τζουζέπε διακρίνεται από ρεαλιστικό χαρακτήρα. Δεν είναι περίεργο ότι ο συνθέτης ονομάστηκε χρονικογράφος της μουσικής ζωής της Ευρώπης το 1840-1890. Ο Βέρντι ακολούθησε τα επιτεύγματα των σύγχρονων συνθετών - Donizetti, Bellini, Wagner, Meyerbeer, Gounod. Ωστόσο, ο Τζουζέπε Βέρντι δεν τους μιμήθηκε. Η βιογραφία του σημαδεύεται από τη δημιουργία ανεξάρτητων έργων που ήδη υπάρχουν πρώιμη περίοδοδημιουργικότητα. Ο συνθέτης αποφάσισε να ακολουθήσει το δικό του δρόμο και δεν έκανε λάθος. Η εύληπτη, φωτεινή, μελωδικά πλούσια μουσική του Βέρντι έχει γίνει πολύ δημοφιλής σε όλο τον κόσμο. Η δημοκρατία και ο ρεαλισμός της δημιουργικότητας, ο ανθρωπισμός και ο ανθρωπισμός, η σύνδεση με τη λαϊκή τέχνη της πατρίδας του - αυτοί είναι οι κύριοι λόγοι για τους οποίους ο Βέρντι απέκτησε μεγάλη φήμη.

Στις 27 Ιανουαρίου 1901, ο Τζουζέπε Βέρντι πέθανε στο Μιλάνο. Μια σύντομη βιογραφία και το έργο του μέχρι σήμερα ενδιαφέρει τους μουσικόφιλους από όλο τον κόσμο.

Ο ΤΖΙΟΥΖΕΠΕ ΒΕΡΝΤΙ ΚΑΙ Η ΚΟΥΛΤΟΥΡΑ ΤΟΥ ΡΙΖΟΡΓΙΜΕΝΤΟ

Οι σύγχρονοι ονόμασαν τον Βέρντι «ο μαέστρος της ιταλικής επανάστασης». Ο Giuseppe Mazzini του έγραψε: «Αυτό που κάνουμε εγώ και ο Garibaldi στην πολιτική, και ο κοινός μας φίλος Alessandro Manzoni στην ποίηση, εσύ το κάνεις στη μουσική και όλοι υπηρετούμε τους ανθρώπους όσο καλύτερα μπορούμε». Τόσο ο Rossini όσο και ο Verdi ανέκαθεν συνέθεταν μουσική σχετική και εναρμονισμένη με την εποχή τους. Τα έργα τους ήταν γεμάτα πολιτικούς υπαινιγμούς, αλλά η λογοκρισία δεν μπορούσε να κάνει τίποτα και το κοινό οργίστηκε από χαρά. Κατά τη διάρκεια της παράστασης της όπερας του Βέρντι Attila, το κοινό σημείωσε ιδιαίτερα ένα τέτοιο επεισόδιο: ο διοικητής Aetius λέει στον διάσημο Hun: "Αφήστε το Σύμπαν να σας ανήκει - η Ιταλία θα παραμείνει σε μένα!" και το κοινό φώναξε με ενθουσιασμό - "Ιταλία - σε εμάς!" Η όπερα «Λομβαρδοί στην Α' Σταυροφορία» έγινε αξιοσημείωτο φαινόμενο στην πολιτιστική και πολιτική ζωή της χώρας. Ειδικά αν σκεφτεί κανείς ότι αυτό ήταν το απόγειο του Risorgimento.

Ο Βέρντι δεν έλκεται προς ορισμένες καλλιτεχνικές τάσεις (ρεαλισμό ή ρομαντισμό), δεν συνδέθηκε με την αισθητική τους, απλώς ζωγράφιζε με το ύφος που νόμιζε εκείνη την περίοδο. Η ζωή σε όλη της την ποικιλία των αντιθέσεων και των συγκρούσεων - τέτοια ήταν η δημιουργική πίστη του συγγραφέα. Διαισθητικά, ο Βέρντι έλκεται προς την πνευματική αρμονία, ζώντας σε μια εποχή περίπλοκων κοινωνικών αναταραχών. Ισχυρίστηκε ότι του άρεσε οτιδήποτε στην τέχνη ήταν Όμορφο. Επανέλαβε μόνο ότι «ένα βαρετό θέατρο είναι το χειρότερο δυνατό» και προσπάθησε να διασφαλίσει ότι τα λιμπρέτα των όπερών του ήταν κορεσμένα με αιχμηρές δραματικές καταστάσεις στις οποίες οι ανθρώπινοι χαρακτήρες. Η ιστορία απέδειξε την ιδιαιτερότητά του ενδιαφέρον για τον ρεαλισμό. Ταυτόχρονα, ο Βέρντι δεν διέφυγε από πιασάρικα συναισθήματα, αντιθέσεις και εκδηλώσεις θυελλώδους ιδιοσυγκρασίας. Συγκρίθηκε είτε με τον Όμηρο και τον Σαίξπηρ, είτε με τον Δάντη, τον Θερβάντες ή τον Μιχαήλ Άγγελο…

Ο Βέρντι (1813-1901) άφησε 26 όπερες, μεταξύ των οποίων «Nabucco» και «The Battle of Legnano», «Ernani» και «Macbeth», «Louise Miller» (όπερες της δεκαετίας του '40), «Rigoletto», «La Traviata» και "Il trovatore", "Sicilian Vespers", "Simon Boccanegra" και "Un ballo in maschera" (δεκαετία '50), "Force of Destiny" και "Don Carlos" (δεκαετίες '60), "Aida" (δεκαετίες '70), "Οθέλλος " (δεκαετία '80), "Φάλσταφ" (δεκαετία '90).

Αυτά τα έργα αποτελούν σημαντικά ορόσημα όχι μόνο στο έργο του Βέρντι, αλλά και ως προς την εξέλιξη του είδους της όπερας και ολόκληρης της ιστορίας της μουσικής τον 19ο αιώνα.

Μεταξύ των πολλών θεατρικών συγγραφέων και συγγραφέων με τους οποίους ο Βέρντι έπρεπε να συνεργαστεί ή στο έργο των οποίων στρεφόταν συνεχώς ήταν ο Σαίξπηρ, ο Σίλερ και ο Ουγκώ, καθώς και οι σταθεροί λιμπρετίστας του Fr. Piave και Arrigo Boito. Γνώριζαν τις απαιτήσεις και τα πάθη του. Αν αναλογιστούμε τη μουσική πλευρά των όπερων του Βέρντι, τότε το ύφος του χαρακτηρίζεται από μελωδίες ευρείας αναπνοής στο πνεύμα του μπελ κάντο, εκφραστικότητα μελωδίας, ψυχολογικά αληθινές καταστάσεις, μεγαλειώδεις χορωδιακές σκηνές, που στη σημασία τους στο δράμα έμοιαζαν με τις λειτουργίες του μια αρχαία χορωδία.

Ο Βέρντι μπήκε ερασιτεχνικά στη μουσική ζωή της Ευρώπης. Ξεκίνησε την καριέρα του ως ταπεινός μαθητής του οργανίστα του καθεδρικού ναού. Καταγόταν από μια φτωχή οικογένεια εμπόρου κρασιού στο χωριό Roncoli, κοντά στην πόλη Busseto κοντά στην Πάρμα (25 χλμ.), στη βόρεια Ιταλία.

Από νεαρή ηλικία, ο Βέρντι υπηρέτησε ως λογιστής στην εμπορική εταιρεία του Antonio Barezzi. Ερασιτέχνες μουσικοί συγκεντρώθηκαν στο σπίτι των Μπαρέτσι και ο Βέρντι τους βοήθησε να μάθουν τα μέρη, να ξαναέγραφαν τις νότες και συμμετείχαν σε πρόβες. Ο οργανίστας του καθεδρικού ναού Ferdinando Provezi μύησε τον νεαρό στα βασικά του μουσικού γραμματισμού, προβλέποντας ένα λαμπρό μέλλον για τον Verdi στον χώρο της μουσικής. Τότε άρχισε να συνθέτει, αλλά ακόμα ερασιτεχνικά. Προκειμένου ο Βέρντι να λάβει επαγγελματική εκπαίδευση και να μπορέσει να αναπτύξει τα ταλέντα του, ήταν απαραίτητο να τον στείλει στο Ωδείο του Μιλάνου. Τα χρήματα συγκεντρώθηκαν από όλο το Busseto με συνδρομή και την ενεργή συμμετοχή του Barezzi - για το ταξίδι και τα δύο πρώτα χρόνια. Έτσι ο Βέρντι έλαβε ένα μέτριο επίδομα από συμπατριώτες του και μια επιχορήγηση από τον Μπαρέτσι. Αλλά του αρνήθηκαν την εισαγωγή - δεν υπήρχε προκαταρκτική επαγγελματική εκπαίδευση και ο Βέρντι άρχισε να ψάχνει για δασκάλους. Ο Vincenzo Lavigna (συνθέτης στο Teatro alla Scala) ανέλαβε να καλύψει τα κενά στην εκπαίδευση του νεαρού και, επιπλέον, του επέτρεψε να παρακολουθεί παραστάσεις δωρεάν. Ήταν το καλύτερο σχολείο, όπως στη Φιλαρμονική. Σύντομα έμαθε το ρεπερτόριό της απέξω και ξαφνικά ο Βέρντι έπρεπε να αντικαταστήσει τον μαέστρο εκεί στην πρόβα (και στη συνέχεια στη συναυλία) του ορατόριου του Τζόζεφ Χάιντν Η Δημιουργία του Κόσμου. Μέχρι το τέλος της πρόβας, ο επαρχιακός, πλημμυρισμένος από γελοιοποίηση, κέρδισε εγκάρδιο χειροκρότημα και η υψηλή κοινωνία του Μιλάνου συναντήθηκε με ένα νέο όνομα - Τζουζέπε Βέρντι. Ο επικεφαλής της Φιλαρμονικής Εταιρείας Π. Μασίνι ανέθεσε την όπερα του Βέρντι Oberto, Count Bogifaccio. Επιστρέφοντας στο σπίτι, ο Βέρντι έπρεπε να κερδίσει μια υποτροφία. Πήρε μια θέση ως μαέστρος σε μια κοινότητα της πόλης, άρχισε να ηγείται της Φιλαρμονικής Ορχήστρας, παντρεύτηκε την αγαπημένη του κοπέλα - την κόρη του Barezzi - Μαργαρίτα και έγινε πατέρας της Virginia Ichilio. Ο Βέρντι συνέθεσε χορωδίες και τραγούδια, πορείες και χορούς, αλλά η δουλειά στην όπερα χρειάστηκε πολλή προσπάθεια. Έχοντας μετακομίσει με την οικογένειά του στο Μιλάνο, το 1839 ο Βέρντι άρχισε να ετοιμάζει μια παραγωγή με την υποστήριξη του Μαζίνι. Η πρεμιέρα πραγματοποιήθηκε στις 17 Νοεμβρίου και στέφθηκε με επιτυχία - η όπερα άρχισε να ανεβαίνει στο Μιλάνο και το Τορίνο, τη Γένοβα και τη Νάπολη. Αλλά στην οικογένεια Verdicarila, όχι μόνο χαρά και ενθουσιασμός για την παραγγελία για την κωμωδία "King for a Hour" ("Imaginary Stanislav"), αλλά και θλίψη - ένας προς έναν ο Βέρντι έχασε τη γυναίκα, την κόρη και τον γιο του. Σε μια τέτοια κατάσταση, έπρεπε να συνθέσει μια κωμική όπερα, η οποία ήταν η παρτίδα της αποτυχίας. Η όπερα αποδοκιμάστηκε και ο συνθέτης έσπασε από κατάθλιψη. Περιπλανήθηκε στο Μιλάνο, δεν μπορούσε να συνθέσει και να εργαστεί, μέχρι που το θέατρο του παρέδωσε βίαια το λιμπρέτο για τη νέα όπερα Ναβουχοδονόσορ (στην Ιταλία, το όνομα του βασιλιά της Βαβυλώνας συντομεύτηκε σε Ναμπούκο). Σιγά σιγά η πλοκή συνεπήρε τον νεαρό συνθέτη και εκείνος, άθελά του, μπήκε στο έργο. Το φθινόπωρο του 1841, η παρτιτούρα ολοκληρώθηκε και η πρεμιέρα έγινε τον επόμενο χρόνο στις 9 Μαρτίου, με τη συμμετοχή των καλύτερων τραγουδιστών της Σκάλας. Το κοινό χειροκρότησε όρθιο - βίαια, με ενθουσιασμό, σαν να μην θυμόταν την αποτυχία στο παρελθόν. Για 9 μήνες η όπερα παίχτηκε 65 φορές και αυτό το αποτέλεσμα θα είχε μπει στο βιβλίο των ρεκόρ Γκίνες, αν υπήρχε τότε. Ο λόγος της επιτυχίας δεν ήταν τόσο η βιβλική ιστορία, αλλά το ταλέντο του λιμπρετίστα Α. Σολέρα και η επιδέξια ανάγνωση του λιμπρέτου από τον συνθέτη στο πατριωτικό πνεύμα των καιρών. Ο Βέρντι εκσυγχρόνισε τα βιβλικά γεγονότα με το ίδιο πνεύμα όπως έκαναν οι ζωγράφοι της φλωρεντινής σχολής του 15ου αιώνα. Από το 1843, η Ιταλία ονειρευόταν να έχει ως εθνικό της ύμνο τη χορωδία των κρατουμένων του Nabucco - και το ονειρεύεται ακόμα, αρκούμενη προς το παρόν στη Mamela του Giuseppe Garibaldi.

Ο Βέρντι έγινε μέλος του κύκλου των πατριωτών - της οικογένειας Μαφέι. Με την Clarina αλληλογραφούσε μέχρι το θάνατό της και ήταν φίλος με τον σύζυγό της, τον μεταφραστή Andrea, και συνέθεσε δύο ειδύλλια βασισμένα στα ποιήματά του. Στη συνέχεια, ο A. Maffei έγραψε ένα λιμπρέτο για τον Verdi βασισμένο στους The Robbers του Schiller.

Ο Βέρντι συνέθεσε την τέταρτη όπερά του, Οι Λομβαρδοί στην Πρώτη Σταυροφορία, στο λιμπρέτο του Σολέρα βασισμένο στο ποίημα Giselda του Tommaso Grassi. Το ποίημα βασίστηκε στην επεξεργασία μιας από τις ενότητες του «Jerusalem Liberated» του Torquato Tasso. Όπως οι αιχμάλωτοι Εβραίοι στη Βαβυλώνα από τον «Ναμπούκο» θεωρούνταν σύγχρονοι Ιταλοί, έτσι και στους «Λομβαρδούς» οι Σταυροφόροι εννοούσαν τους Καρμπονάρους. Αυτό οδήγησε στην τεράστια επιτυχία της όπερας σε όλη τη χώρα, αν και η αυστριακή λογοκρισία προκάλεσε πολλά προβλήματα στη Solera και στον Verdi κατά τη διάρκεια των παραγωγών. Η πρεμιέρα έγινε στις 11 Φεβρουαρίου 1843 1843 και ολοκληρώθηκε με μια πολιτική διαδήλωση, στην οποία οι Μιλανέζοι εμπνεύστηκαν από τις εμπρηστικές άριες των χαρακτήρων της όπερας, και ειδικά την τελευταία χορωδία των σταυροφόρων - ένα κάλεσμα για αγώνα για ελευθερία . Ο θρίαμβος των παραγωγών των «Λομβαρδών» έφτασε μέχρι και τη Ρωσία. Το όνομα του Βέρντι ακουγόταν σε όλη την Ιταλία, του έστελναν παραγγελίες από όλα τα κορυφαία θέατρα - για να διαλέξει. Από εδώ και πέρα, ο Βενετός λιμπρετίστας Francesco Piave γίνεται ο πιο στενός συνεργάτης του Βέρντι. Πρότεινε στον συνθέτη την ιδέα να γράψει μια όπερα βασισμένη στην πλοκή του δράματος Ernani, που γνώρισε επιτυχία στο Παρίσι το 1830. Ο ρομαντικός ενθουσιασμός και η αγάπη για την ελευθερία του Βίκτωρ Ουγκώ δεν άφησε αδιάφορο τον Βέρντι και σε λίγους μήνες συνέθεσε το «Ernani» του με μια ανάσα (9 Μαρτίου 1844 για το βενετσιάνικο «La Fenice»). Η ευγενής εμφάνιση του διωκόμενου ήρωα θύμιζε τους πατριώτες που εκδιώχθηκαν από τη χώρα και στη χορωδία των συνωμοτών ακούστηκε κάλεσμα για αντίσταση, εξύμνηση της ανδρείας και του θάρρους. Δεν αποτελεί έκπληξη το γεγονός ότι αυτή η όπερα έγινε και η αφορμή για τις πολιτικές ενέργειες των Ιταλών εναντίον του αυστριακού προτεκτοράτου.

Εκείνα τα χρόνια, ο Βέρντι ανέπτυξε μια θυελλώδη δημιουργική δραστηριότητα: η πρεμιέρα ακολούθησε την πρεμιέρα. Η έκτη όπερα του, The Two Foscari (3 Νοεμβρίου 1844), βασισμένη στην τραγωδία του Βύρωνα, ανέβηκε στο θέατρο Argentina της Ρώμης. Ακολούθησε η Giovanna D'Arco μετά το Maid of Orleans του Schiller, με λιμπρέτο του Solera (Μιλάνο, 15 Φεβρουαρίου 1845), με πρωταγωνίστρια την Erminia Fredzolini. Η Νάπολη απολάμβανε την όπερα Alzira βασισμένη στην τραγωδία του Βολταίρου (η επιτυχία της ήταν βραχύβια). Απροσδόκητα, ο Βέρντι στράφηκε στην τραγωδία του ελάχιστα γνωστού Γερμανού θεατρικού συγγραφέα Τσαχαρία Βέρνερ «Αττίλα - Βασιλιάς των Ούννων» και η πρεμιέρα της 9ης όπερας του Βέρντι «Αττίλα» έγινε στο «La Fenice» με θύελλα ενθουσιασμού και πατριωτική έξαρση των ίδιων των ερμηνευτών (17 Μαρτίου 1846).

Αλλά ο 34χρονος Βέρντι είχε ένα αγαπημένο όνειρο - να χρησιμοποιήσει τουλάχιστον μια πλοκή του Σαίξπηρ, τον οποίο είδωλο, για να συνθέσει μια όπερα. Η ευκαιρία παρουσιάστηκε -η 10η όπερα ήταν ο «Μάκβεθ» και η πρεμιέρα της έγινε στην πόλη που αγαπούσε πολύ ο Βέρντι- στη Φλωρεντία (14 Μαρτίου 1847). Ένα κύμα επιτυχίας ήρθε στη Βενετία και ξαφνικά το κοινό πήρε τα λόγια ενός από τους χαρακτήρες σε μια ισχυρή χορωδία: "Πρόδωσαν την Πατρίδα ..."

Το καλοκαίρι του 1847, το The Robbers του Schiller έκανε πρεμιέρα στο Λονδίνο και ο Βέρντι ταξίδεψε στο εξωτερικό για πρώτη φορά. Έζησε στο Λονδίνο και στο Παρίσι όταν ήρθε το έτος 1848 -η Ευρώπη δεν αναστατώθηκε σε καμία περίπτωση από τις βελούδινες επαναστάσεις, αλλά την Ιταλία - από την εξέγερση του Παλέρμο στη Σικελία. Ο «Κορσάρος» σύμφωνα με τον Βύρωνα πέρασε σχεδόν απαρατήρητος, σε αντίθεση με τη «Μάχη του Legnano» και τον «Simon Boccanegra». Η μάχη του Legnano έφερε στο νου τα γεγονότα του μακρινού παρελθόντος της Ιταλίας: την ήττα των Λομβαρδών του γερμανικού στρατού του Φρειδερίκου Μπαρμπαρόσα το 1176. Οι Ρωμαίοι, που ανακήρυξαν τη Δημοκρατία τον Φεβρουάριο του 1849, ήρθαν στην πρεμιέρα της «Μάχης του Legnano» με εθνικές σημαίες. Και ο Βέρντι ετοιμαζόταν ήδη για τη Νάπολη το «Deceit and Love» του Schiller, αποκαλώντας αργότερα την όπερα «Louise Miller». Το λιμπρέτο στρεφόταν ενάντια στην ταξική ανισότητα και τον δεσποτισμό. Η όπερα αποδείχθηκε ότι δεν ήταν ηρωική, αλλά λυρική και καθημερινή, και οι χαρακτήρες δεν ήταν ήρωες, αλλά απλοί άνθρωποι.

Εν τω μεταξύ, ο Βέρντι ξαναπαντρεύτηκε και αγόρασε το κτήμα Sant'Agata κοντά στο Busseto, μετακομίζοντας εκεί στις αρχές του 1850. Παράλληλα, συνέχισε να ταξιδεύει σε όλη την Ευρώπη, αλλά μέχρι το τέλος της ζωής του έζησε στο κτήμα, εκτός από τον χειμώνα, όταν ταξίδεψε μεταξύ Γένοβας και Μιλάνου. Συνέθεσε το "Stiffelio", αλλά τα μέσα του αιώνα σημαδεύτηκαν στο έργο του από μια τριάδα από τις πιο εντυπωσιακές όπερες - "Rigoletto", "Il trovatore" (Trovatore) και "La Traviata". Τα δημιούργησε το ένα μετά το άλλο για ενάμιση χρόνο.

Η λογοτεχνική πηγή για τον «Ριγκολέτο» ήταν το δράμα στο. Το "The King Amuses" του Ουγκώ, που παρουσιάστηκε στο Παρίσι τον Νοέμβριο του 1832 και αφαιρέθηκε αμέσως από το ρεπερτόριο με εντολή της κυβέρνησης για προσβολή του Φραγκίσκου του Πρώτου - ενός από τους διαβόητους βασιλείς της Γαλλίας τον 16ο αιώνα. Ο Βέρντι άλλαξε κάπως την κατάσταση και ο πρωταγωνιστής στο λιμπρέτο δεν ήταν ο βασιλιάς, αλλά ο Δούκας, του οποίου το τραγούδι "Η καρδιά μιας ομορφιάς είναι επιρρεπής στην προδοσία" έκανε τον γύρο του κόσμου. Ο Βέρντι συνέθεσε την όπερα σε 40 ημέρες με εντολή του La Fenice (11 Μαρτίου 1851). Το κοινό θυμήθηκε αμέσως το τελευταίο τραγούδι, έκανε θραύση. Στη Ρώμη, η λογοκρισία άρχισε να βρίσκει λάθη στον Ριγκολέτο, και επιπλέον, πέθανε ο λιμπρετίστας του Il Trovatore, Cammarano και η αγαπημένη μητέρα του συνθέτη. Πέρασαν δύο χρόνια πριν ο Τροβαδούρος δει το φως της ράμπας. Στις 14 Δεκεμβρίου 1852, ο Βέρντι έγραψε στη Ρώμη: «Τελειώσαμε: όλες οι νότες είναι στη θέση τους και είμαι ικανοποιημένος, θα ήθελα να είναι ικανοποιημένοι οι Ρωμαίοι!» Η πρεμιέρα ήταν προγραμματισμένη για τις 19 Ιανουαρίου 1853, αλλά το πρωί ο Τίβερης οργίασε και έσκασε στις όχθες του, σχεδόν αναστατώνοντας την πρώτη παράσταση. Και τον Μάρτιο, οι Βενετοί ανέβασαν ήδη μια μοναδική ψυχολογική όπερα από τη ζωή των συγχρόνων τους - La Traviata. Για εκείνη την εποχή, αυτό ήταν νέο και οι θεατρίνοι δεν δέχονταν την όπερα - αναμενόταν να αποτύχει και ακόμη και η παγκόσμια φήμη του Βέρντι δεν έσωσε την παράσταση. Ένα χρόνο αργότερα, η όπερα ανέβηκε από ένα άλλο βενετσιάνικο θέατρο - το «San Benedetto» και στη συνέχεια το κοινό τη «γεύτηκε». Η αγορά του βιβλίου είχε ήδη πλημμυρίσει από σχετική μυθοπλασία, τα γούστα είχαν ωριμάσει, η πλοκή έγινε κατανοητή και εκτιμημένη. Ο ίδιος ο Βέρντι, όταν ρωτήθηκε ποια από τις όπερές του του άρεσε περισσότερο, απάντησε ότι ως επαγγελματίας, βάζει τον Ριγκολέτο πάνω από όλα και ως ερασιτέχνης προτιμά την Τραβιάτα.

Στις δεκαετίες του 1850 και του 1860, οι όπερες του Βέρντι ανεβαίνουν σε όλες τις ευρωπαϊκές σκηνές. Για την Αγία Πετρούπολη, συνθέτει τη Δύναμη του πεπρωμένου, για το Παρίσι, τον Σικελικό Εσπερινό (μετά την εξέγερση του Παλέρμο, αλλά με ερωτικό τρίγωνο), για τη Νάπολη, το Un ballo in maschera. Ο Don Carlos έγινε επίσης δεκτός με ενθουσιασμό - συντέθηκε στο ένα πραγματικά ρομαντικό πνεύμα, με θέμα την αυτοθυσία, συζητήσεις για το τι είναι φιλία και ποια είναι η αξία της.

Μια πρόταση για τη συγγραφή μιας όπερας από την αιγυπτιακή κυβέρνηση εξέπληξε τον Βέρντι. Όμως η Ευρώπη προετοιμαζόταν ήδη για το άνοιγμα της διώρυγας του Σουέζ και οι επιτυχίες των Αιγυπτιολόγων από τη Γαλλία και την Αγγλία ήταν εκπληκτικές. Ο Βέρντι απείχε πολύ από την αρχαιολογία, αν και μια από τις σημαντικότερες τάσεις της ιταλικής λογοτεχνίας ήταν το αρχαιολογικό (ιστορικό) μυθιστόρημα. Λίγους μήνες αργότερα, ο Βέρντι διάβασε το σενάριο για την προτεινόμενη όπερα - ήταν η "Aida" βασισμένη σε μια ιστορία από την αρχαία ζωή αυτής της χώρας. Το λιμπρέτο έγραψε ο διάσημος αιγυπτιολόγος Auguste Mariette. Απροσδόκητα, ο Βέρντι αιχμαλωτίστηκε από την αφήγηση και δέχτηκε την παραγγελία, αν και η παραγωγή καθυστέρησε λόγω του Γαλλο-Πρωσικού πολέμου στις αρχές της δεκαετίας του 1870. Αλλά την άνοιξη του 1872, το «Aida» άρχισε να ανεβαίνει σε όλη την Ευρώπη, και ακόμη και εκείνοι οι μουσικοί που αντιμετώπιζαν τον Βέρντι με προκατάληψη αναγνώρισαν την αναμφισβήτητη αξία του ως θεατρικού συγγραφέα και συνθέτη. Η Αμερική και η Ρωσία ανέβασαν την «Aida» και ο Τσαϊκόφσκι αποκάλεσε τον Βέρντι ιδιοφυΐα.

Τον Μάιο του 1873, ο Βέρντι έμαθε για τον θάνατο του 88χρονου πατριώτη συγγραφέα Alessandro Manzoni και σε ένδειξη σεβασμού στην επέτειο, συνέθεσε το περίφημο Ρέκβιεμ του, το οποίο παρουσιάστηκε για πρώτη φορά στις 22 Μαΐου 1874 στο Καθεδρικός ναός του Αγίου Μάρκου στο Μιλάνο. Η αρμονία της φόρμας, η πολυφωνική μαεστρία, η εκφραστικότητα της μελωδίας και η φρεσκάδα της αρμονίας και της ενορχήστρωσης τοποθετούν αυτό το έργο του μαέστρου ανάμεσα στα σημαντικότερα έργα στον χώρο της ιερής μουσικής.

Η δημιουργία ενός ενιαίου ιταλικού κράτους δεν δικαίωσε τις ελπίδες των πατριωτών. Ο Βέρντι ήταν επίσης απογοητευμένος. Καταπιεζόταν επίσης από τον τυφλό θαυμασμό για τον Βάγκνερ, το ευρωπαϊκό είδωλο του 2ου μισού του 19ου αιώνα. Ο Βέρντι εκτιμούσε το έργο του, ενώ πίστευε ότι ο Βαγκνερισμός δεν ήταν ο ιταλικός τρόπος. Ο συνθέτης αναστατώθηκε από την παραμέληση των εθνικών κλασικών. Σε ηλικία 75 ετών, ο Βέρντι αρχίζει να συνθέτει μια νέα όπερα βασισμένη στην πλοκή του έργου του Σαίξπηρ Οθέλλος. Με εκπληκτική ψυχολογική βεβαιότητα, μετέφερε την αγάπη και το πάθος για ίντριγκα, το θέμα της πίστης και του δόλου των συνεργατών. Όλα όσα μπορούσαν να δημιουργήσουν νέα πράγματα στη μουσική του Βέρντι σε όλη του τη ζωή συνδυάστηκαν στον Οθέλλο. Ο κόσμος της μουσικής συγκλονίστηκε. Όμως ο Οθέλλος δεν έγινε το κύκνειο άσμα του Βέρντι -όταν ήταν ήδη 80 ετών, συνέθεσε το αριστούργημά του- την κωμική όπερα Falstaff βασισμένη στο έργο του Σαίξπηρ Οι εύθυμες γυναίκες του Ουίνδσορ. Αυτό το έργο αναγνωρίστηκε αμέσως ως το υψηλότερο επίτευγμα της παγκόσμιας όπερας. Και ο συνθέτης έσβησε για πολύ καιρό, επαναλαμβάνοντας ότι το όνομά του μυρίζει ήδη εποχή των μούμιων. Ήθελε να δει την αυγή του νέου 20ού αιώνα και, μετά από παράλυση, πέθανε σε ξενοδοχείο του Μιλάνου στις 27 Ιανουαρίου 1901, σε ηλικία 88 ετών. Η Ιταλία κήρυξε εθνικό πένθος. Όμως ο Βέρντι μπορούσε ήδη να ονομάσει τον άξιο διάδοχό του Τζάκομο Πουτσίνι, του οποίου το ταλέντο τόλμησε να διαφωνήσει με τον Βάγκνερ...

Η ΕΞΕΛΙΞΗ ΤΗΣ ΔΗΜΙΟΥΡΓΙΚΟΤΗΤΑΣ ΤΟΥ ΒΕΡΝΤΙ ΑΠΟ ΤΟ ΡΟΜΑΝΤΙΣΜΟ ΣΤΟΝ ΡΕΑΛΙΣΜΟ ΤΗ ΔΕΚΑΕΤΙΑ ΤΟΥ 1940. Ο Τα φτερά του Βέρντι της δεκαετίας του '40 αναφέρονται συνήθως ως ώριμα έργα και ορίζονται ως ηρωικά-πατριωτικά. Από τα δεκαπέντε έργα της δεκαετίας του '40, μόνο τρία μπορούν να θεωρηθούν πλήρως ηρωικά-πατριωτικά: Joan of Arc, Attila, "Μάχη του Legnano" . Σε κάποιο βαθμό, περιλαμβάνουν Nabucco και Lombards , αλλά σε αυτές τις όπερες οι πατριωτικές ιδέες δεν κατέχουν τη μόνη κυρίαρχη θέση. Τα υπόλοιπα δέκα έργα απέχουν πολύ από στενά εθνικά θέματα. Ήδη στην πρώτη όπερα"Ομπέρτο" Ο Βέρντι δήλωσε με πλήρη φωνή. Το λιμπρέτο, γραμμένο από τον Piazza και εκλεπτυσμένο από τον Solera, δεν ήταν τόσο κακό όσο παρουσιάζεται μερικές φορές, αλλά, το πιο σημαντικό, ταίριαζε στο δραματικό ταλέντο του Βέρντι, μια από τις απαιτήσεις του οποίου ήταν η παρουσία ζωντανών σκηνικών καταστάσεων. Οι κύριες εικόνες αυτής της πρώιμης όπερας θα αναπτυχθούν αργότερα στο "Rigoletto" - ο άτυχος κόμης Oberto, ο οποίος πέθανε για την τιμή της κόρης του, Count Scaliger, που παρέσυρε το κορίτσι. Το ντουέτο του Ομπέρτο ​​και της Λεονόρας, όπου ο πατέρας, στενοχωρημένος από τη θλίψη, απειλεί τον νεαρό κόμη με τρομερή εκδίκηση, περιμένει μια παρόμοια σκηνή από τον Ριγκολέτο. Αποτυχία της δεύτερης όπερας"Φανταστικός Στάνισλαβ" , η σύνθεση του οποίου συνέπεσε με μια τραγική περίοδο στη ζωή του συνθέτη, προκαθόρισε για μεγάλο χρονικό διάστημα την απουσία του κωμικού είδους στο έργο του. Απόδειξη της δημιουργικής ωριμότητας του συνθέτη ήταν η τρίτη του όπερα"Ναβουχοδονόσορ" (Ναμπούκο). Παίρνοντας τη σκυτάλη του Μωυσή του Ροσίνι, ο Βέρντι σκηνοθέτησε την ιταλική όπερα σε μια νέα κατεύθυνση. Οι τέσσερις πράξεις της όπερας αποκαλύπτουν τα στάδια ηθικής ανάπτυξης του Ναβουχοδονόσορ, του οποίου τα στρατεύματα συνέλαβαν τους Εβραίους. Η όπερα έκανε ένα σημαντικό βήμα προς την ψυχολογική εμβάθυνση του χαρακτήρα. Ένα χαρακτηριστικό παράδειγμα αυτού είναι η σκηνή του Ναβουχοδονόσορ στο μπουντρούμι. Στην ορχήστρα, θέματα χαρακτηρίζουν την ψυχική κατάσταση του αιχμάλωτου βασιλιά, θυμίζοντας τα κύρια στάδια του ταξιδιού του από τη στιγμή της επίσημης εισόδου του στην Ιερουσαλήμ υπό τους ήχους μιας στρατιωτικής πορείας έως τη στιγμή της πτώσης και της τρέλας του. Η χρήση θεμάτων-αναμνήσεων σε δραματικές σκηνές θα αναπτυχθεί ευρέως στις επόμενες όπερες και σε μια σειρά από έργα θα οδηγήσει στη χρήση λαιτ μοτίβων, όπως στην όπερα The Two Foscari. Τα θρησκευτικά-χριστιανικά μοτίβα είναι πολύ έντονα στην όπερα. Μόνο μια έκκληση στον αληθινό θεό βοηθά τον βασιλιά να ανακτήσει το μυαλό του και να ανακτήσει την εξουσία. Ο Ναβουχοδονόσορ καταστρέφει το είδωλο του Βάαλ και απελευθερώνει τους Εβραίους. Η μνημειώδης χορωδία Ασσυρίων και Εβραίων στο τέλος της όπερας υμνεί τη δύναμη του Θεού. Το ζευγάρι των γυναικείων χαρακτήρων που σκιαγραφούνται στο Oberto αποκτά ένα νέο νόημα εδώ. Η σύγκρουση των δύο κορών του βασιλιά, που αγαπούν τον ίδιο ήρωα, θα βρει τη συνέχειά της στην «Άιντα». Στην τέταρτη όπερα -"Λομβαρδοί" σε ακόμη μεγαλύτερο βαθμό, τονίζονται όχι μόνο ηρωικές-πατριωτικές, αλλά και χριστιανικές ιδέες και το μοτίβο της λύτρωσης από το θάνατο, στενά γειτονικά με αυτές. ΣΤΟ"Ερνάνη" Ο Βέρντι συναντά για πρώτη φορά το είδος του ρομαντικού δράματος, τις κύριες διατάξεις του οποίου διατύπωσε ο Βίκτωρ Ουγκώ στον πρόλογο του δράματος «Κρόμγουελ». Στο δράμα του Hugo, ο συνθέτης έλκονταν από δυνατούς ανθρώπινους χαρακτήρες, γνήσια πάθη. Στην «Ερνάνη» ο συνθέτης εντόπισε ξεκάθαρα τα είδη των εικόνων που απαντώνται στη συνέχεια σε μια σειρά από όπερες. Ο πρωταγωνιστής (τενόρος) -εξόριστος, ληστής ή πειρατής- θα βρει τη συνέχειά του στους «Ληστές», «Alzira», «Corsair» και «Il trovatore». Η ηρωίδα (σοπράνο) είναι ερωτευμένη με έναν θαρραλέο νεαρό ληστή (αργότερα Amelia, Medora, Leonora). Αντίπαλος (βαρύτονος) - δεσποτικός αριστοκράτης - θα εμφανιστεί στα «Alzira», «Robbers», «Battle of Legnano», «Troubadour». Ξεκινώντας με τον Ερνάνι, ο Βέρντι γράφει μια εισαγωγή στην όπερα, η οποία εκθέτει τα βασικά θέματα που ακούγονται στις πιο σημαντικές στιγμές του δράματος. Ο Ερνάνι διαμόρφωσε τα τυπολογικά χαρακτηριστικά της ρομαντικής τραγωδίας, τα οποία θα αναπτυχθούν σε παρόμοιες όπερες που δημιουργήθηκαν αργότερα. Όπερα"Δυο Φοσκαρι" , βασισμένο στην τραγωδία του Βύρωνα, ανοίγει μια σειρά ψυχολογικών όπερων χωρίς ερωτική σχέση. Ωστόσο, πρόκειται για μια από τις πιο λυρικές και μελωδικά άρτιες όπερες του Βέρντι. Εδώ ο συνθέτης χρησιμοποίησε για πρώτη φορά μοτίβα. Αυτή η περίσταση (η όπερα γράφτηκε το 1844) αλλάζει την ιδέα ότι, χρησιμοποιώντας μοτίβα στα μεταγενέστερα έργα του, ο συνθέτης υπέκυψε στην επιρροή του Βάγκνερ. Με το ψυχολογικό του βάθος, την πραγματική τραγωδία και κυρίως τις κύριες ιστορίες, το «The Two Foscari» προσδοκά την όπερα «Simon Boccanegra», που ανέβηκε 13 χρόνια αργότερα. Joan of Arc και Attila - δύο ηρωικές-πατριωτικές όπερες - αποδείχθηκαν πολύ άνισες. Αυτό ισχύει ιδιαίτερα για το πρώτο, το οποίο διευκολύνθηκε σε μεγάλο βαθμό από ένα εξαιρετικά αποτυχημένο λιμπρέτο, το οποίο δεν περιέχει ούτε έναν πραγματικό χαρακτήρα. Και, παρόλο που μεμονωμένες σκηνές ήταν καλές, για παράδειγμα, η σκηνή του θανάτου της Jeanne, η οποία χρησίμευσε ως πρωτότυπο για τη σκηνή θανάτου του Arrigo από την όμορφη πατριωτική όπερα "The Battle of Legnano", το όλο αποδείχθηκε πολύ χειρότερο . Η όπερα «Αττίλα», επίσης ένα μάλλον ανομοιόμορφο έργο, περιείχε ωστόσο μια σειρά από μέρη που εντυπωσιάζουν με τη δύναμη του συναισθηματικού αντίκτυπου. Η σκηνή στην οποία ο αρχηγός των Ούννων αναπολεί ένα τρομερό όνειρο, όπου τον στοιχειώνουν οι σκέψεις ανταπόδοσης, προμηνύει ευθέως τους εφιάλτες του Μάκβεθ. Κατά τη διάρκεια της γιορτής, ο Αττίλας βλέπει ξαφνικά έναν ηλικιωμένο άνδρα, που τον απειλεί με θάνατο (παρόμοια κατάσταση συμβαίνει στη σκηνή της γιορτής από το Macbeth, τη στιγμή που εμφανίζεται η σκιά του Banquo). Ανάμεσα στις ηρωικές-πατριωτικές όπερες υψώνεται «Η Μάχη του Legnano». Αν στο "Joan of Arc" και στον "Attila" η διαφορά στην ποιότητα της μουσικής που ακούγονταν σε στερεότυπες ηρωικές καταστάσεις και σε επεισόδια εμποτισμένα με πραγματικό πάθος ήταν μερικές φορές πολύ μεγάλη, τότε στο "Battle", σε μεγάλο βαθμό λόγω ενός επιτυχημένου λιμπρέτου, αυτό το πρόβλημα Η «Μάχη του Legnano» σχετίζεται άμεσα με τον «Σικελικό Εσπερινό» που δημιουργήθηκε πολλά χρόνια αργότερα.Η αγαπημένη όπερα του Βέρντι"Μάκβεθ" - μια από τις κορυφές του έργου του συνθέτη. Θα χρειαστούν περίπου σαράντα χρόνια πριν ο Βέρντι δημιουργήσει ξανά μια όπερα βασισμένη στην πλοκή του Σαίξπηρ. Η απουσία μιας εξωτερικά ελκυστικής ερωτικής σχέσης επέτρεψε στον συνθέτη στο "Macbeth" να αποκαλύψει βαθύτερα άλλα μυστικά της ανθρώπινης ψυχής, να αποκαλύψει το αρνητικό και να το κάνει κυρίαρχο στις πράξεις των κύριων χαρακτήρων. Η όπερα είναι γεμάτη με δραματικό πάθος, αλλά αυτό το πάθος είναι μια δίψα για δύναμη και κυριαρχία που δεν σταματά στο τίποτα. Στις όπερες που γράφτηκαν πριν από τον Μάκβεθ, υπάρχουν πολλά βαθιά ψυχολογικά χαρακτηριστικά, αλλά το έντονο δαιμονικό, ως θεμελιώδης αρχή για όλα όσα συμβαίνουν, δεν έχει ακόμη συναντηθεί. Ο Μάκβεθ είναι μια από τις πιο ενδιαφέρουσες εικόνες του Βέρντι. Είναι αδύναμος, ψυχολογικά ασταθής, δυνατός μόνο όσο νιώθει την υποστήριξη από τις δυνάμεις του άλλου κόσμου πίσω του. Η ανάπτυξη χαρακτήρων ασυνήθιστων για την ιταλική όπερα οδήγησε στην επέκταση των φωνητικών και ορχηστρικών μέσων. Η φωνητική γραφή γίνεται πιο ευέλικτη και ποικίλη. Η δραματουργία του ηχοχρώματος αποκτά έναν ποιοτικά νέο ήχο. ΛΥΡΙΚΗ ΣΚΗΝΗ"ληστές" , που εμφανίστηκε ταυτόχρονα με το «Macbeth», αν και ανήκει σε μια διαφορετική ποικιλία του είδους, είναι στυλιστικά κοντά του. Οι «ληστές», αναπτύσσοντας τις αρχές της «Ερνάνης», οδηγούν άμεσα σε"Τροβαδούρος" , όχι πολύ κατώτερη από αυτή τη διάσημη όπερα. Έχοντας αποτίει φόρο τιμής στο θρησκευτικό-χριστιανικό θέμα, τις ρομαντικές τραγωδίες με ερωτικό τρίγωνο, κατανοώντας τα ζοφερά βάθη της ανθρώπινης ψυχής, δοξάζοντας την πατρίδα του την Ιταλία, ο Βέρντι απομακρύνθηκε από αυτά τα μονοπάτια.«Λουίζ Μίλερ», «Στιφέλιο» μακριά από εντυπωσιακές εικόνες από την πολιορκία της Ιερουσαλήμ, τα μπουντρούμια του Συμβουλίου των Δέκα, τις μάγισσες και τα φαντάσματα. Δεν υπάρχουν καν πειρατές και ληστές σε αυτά. Σχεδόν για πρώτη φορά, ο Βέρντι εγκαταλείπει εσκεμμένα την εξωτερική διακοσμητικότητα υπέρ μιας απλής τραγωδίας του burgher. Στη «Λουίζ» και στο «Στιφέλιο» διαμορφώνονται τα χαρακτηριστικά της λυρικής όπερας, από πολλές απόψεις προεξοφλώντας"La traviata" . Η απουσία δευτερευουσών δραματικών γραμμών δίνει σε αυτά τα έργα μια εξαιρετική απλότητα, η οποία μόνο πιο καθαρά αποκαλύπτει εσωτερική σύγκρουσητους κύριους χαρακτήρες και υπογραμμίζει το αναπόφευκτο μιας τραγικής κατάργησης. Το πανόραμα του έργου του Βέρντι στη δεκαετία του 1940 μας επιτρέπει να δούμε τη σημαντική εξέλιξη που συμβαίνει από τις πρώτες όπερες ενός άπειρου συνθέτη μέχρι τα έργα ενός δασκάλου που με σιγουριά έχει σταθεί στα πόδια του και ακολουθεί σταθερά το δικό του μονοπάτι. Όλα τους έχουν σημαντική καλλιτεχνική αξία και ξεκινώντας από το «Nabucco» δύσκολα μπορούν να ονομαστούν νωρίς. Αναπτύσσουν τις αρχές της δραματουργίας και της μουσικής γλώσσας. Ταυτόχρονα, κάθε μια από αυτές τις όπερες έχει τη δική της εμφάνιση και καταλαμβάνει τη δική της σημαντικό μέρος. Η πρώτη δημιουργική περίοδος έχει τα δικά της εσωτερικά μοτίβα, τα δικά της στάδια αναζήτησης και εδραίωσης όσων έχουν επιτευχθεί, αποτυχίες και σκαμπανεβάσματα. Η εξέλιξη της δουλειάς του Βέρντι αυτά τα χρόνια πραγματοποιήθηκε αρκετά σταθερά. Οι δύο πρώτες όπερες ("Oberto", "Imaginary Stanislav") ήταν μια εισαγωγή στη δημιουργικότητα, μια "δοκιμή της πένας" σε διάφορα είδη που είχαν καθιερωθεί στο παρελθόν. Στη συνέχεια, η διαμόρφωση των κύριων ποικιλιών της όπερας του Βέρντι πραγματοποιείται σε δύο έργα ορατόριου-επικού τύπου («Ναμπούκο», «Λομβαρδοί») και σε δύο έργα δραματικού και λυρικού-δραματικού τύπου («Ερνάνι», «Δύο Φόσκαρι» ). Στο επόμενο στάδιο, σε τρεις όπερες ("Joan of Arc", "Alzira" και "Attila"), οι αρχές που βρέθηκαν παγιώνονται και αναπτύσσονται. Ο Μάκβεθ ανατέλλει ως φωτεινό αποκορύφωμα. Στις δύο επόμενες όπερες ("Ληστές", " Corsair"), συνοψίζονται τα κύρια επιτεύγματα και στη Μάχη του Legnano, η οποία σχηματίζει ένα είδος αψίδας στο Nabucco, η τελική άθροιση είναι ιδιαίτερα σημαντική. Οι δύο τελευταίες όπερες (Louise Miller, Stiffelio) παρέχουν μια ομαλή εισαγωγή στην επόμενη περίοδο, έως τη δεκαετία του '50.

Ο Τζουζέπε Βέρντι, που ξεκίνησε την καριέρα του ως «μαέστρος της Ιταλικής Επανάστασης», έζησε μια μακρά ζωή - και το έργο του έγινε μια ολόκληρη εποχή στην ιστορία της ιταλικής όπερας.

Ο άνθρωπος που έμελλε να γίνει το καμάρι της ιταλικής όπερας γεννήθηκε στο χωριό Roncole, που βρίσκεται στην επαρχία της Πάρμας (τότε ήταν το έδαφος της αυτοκρατορίας του Ναπολέοντα). Αξιοσημείωτο είναι ότι γεννήθηκε το 1813 -την ίδια χρονιά με τον μελλοντικό του αντίπαλο στην όπερα. Ο πατέρας του Giuseppe ήταν ξενοδόχος, η μητέρα του ήταν απλή κλώστη και ο εκκλησιαστικός οργανίστας Pietro Baistrocchi έγινε ο πρώτος δάσκαλος μουσικής. Παρά τη φτώχεια, οι γονείς αγόρασαν μια ράχη για τον γιο τους. Ο Antonio Barezzi, ένας πλούσιος λάτρης της μουσικής, τραβάει την προσοχή ενός ταλαντούχου αγοριού, το οποίο στα έντεκα του κάνει οργανοπαίκτη. Η υποστήριξή του επέτρεψε στον Giuseppe να συνεχίσει τις σπουδές του στην πόλη Busetto. Ο διευθυντής της Φιλαρμονικής Εταιρείας Φερνάντο Προβέζι, που έγινε μέντοράς του, όχι μόνο έδωσε μαθήματα σύνθεσης, αλλά τον μύησε και στην κλασική λογοτεχνία.

Ο δεκαοκτάχρονος Τζουζέπε Βέρντι δεν έγινε δεκτός στο Ωδείο του Μιλάνου, που φέρει πλέον το όνομά του, λόγω ελαττωμάτων στην τοποθέτηση των χεριών του και πρέπει να σπουδάσει ιδιωτικά. Αλλά όχι μόνο τα μαθήματα της αντίστιξης διαμορφώνουν τη δημιουργική του προσωπικότητα. Σύμφωνα με τον ίδιο τον Βέρντι, έμαθε τα καλύτερα έργα των συγχρόνων του όχι μελετώντας, αλλά ακούγοντάς τα στο θέατρο και την αίθουσα συναυλιών, επισκεπτόμενη την οποία ο συνθέτης ονόμασε «μακρά και αυστηρή μελέτη».

Ο Βέρντι δημιούργησε την πρώτη του όπερα, Oberto, Count Bonifaccio, με παραγγελία της Φιλαρμονικής Εταιρείας. Δεν ανέβηκε αμέσως, αλλά όταν παρόλα αυτά συνέβη λίγα χρόνια μετά τη δημιουργία της, η όπερα γνώρισε επιτυχία και ο ιμπρεσάριος του θεάτρου La Scala, Bartolomeo Merelli, του παρήγγειλε δύο όπερες. Το πρώτο από αυτά - "Ο βασιλιάς για μια ώρα" - απέτυχε. Η αντίδραση του κοινού ήταν τόσο συγκινητική που οι καλλιτέχνες δεν κατάφεραν καν να ολοκληρώσουν την παράσταση. Πιθανώς ο λόγος για αυτό ήταν η ψυχική κατάσταση στην οποία βρισκόταν ο συνθέτης ενώ εργαζόταν στο The King for a Hour: έθαψε δύο παιδιά και τη γυναίκα του - όχι οι καλύτερες συνθήκες για τη δημιουργία μιας κωμωδίας. Ο Βέρντι πήρε σκληρά την αποτυχία και πείστηκε ότι δεν ήταν ικανός να δημιουργήσει κωμικές όπερες. Για πολλά χρόνια δεν έκανε αίτηση σε αυτό το είδος.

Ασύγκριτα πιο επιτυχημένη ήταν η επόμενη όπερα - "". Η ιστορία των Εβραίων που μαραζώνουν στη βαβυλωνιακή αιχμαλωσία ήταν σε αρμονία με την επαναστατική διάθεση που βασίλευε στην ιταλική κοινωνία. Σε συνδυασμό με την ιδιοφυΐα του Βέρντι, ένα τέτοιο θέμα δεν θα μπορούσε να μην κάνει πάταγο. Μια από τις χορωδίες της όπερας ακούγονταν όρθια, σαν ύμνος, και τραγουδούσαν στους δρόμους.

Στο κύμα της επιτυχίας, ο Βέρντι λαμβάνει νέες παραγγελίες. Οι «Λομβαρδοί στην Πρώτη Σταυροφορία» ανέβηκαν στο Μιλάνο, το «» στη Βενετία, το «Δύο Φόσκαρι» στη Ρώμη και το «Alzira» στη Νάπολη. Το όνομα του Βέρντι γίνεται διάσημο εκτός Ιταλίας χάρη στην παραγωγή του «Lombards in Paris. Αναφέρεται στο έργο του Ουίλιαμ Σαίξπηρ («Μάκβεθ»), του Φρίντριχ Σίλερ («Jeanne d'Arc», «Louise Miller»).

Αλλά τώρα ο Βέρντι είναι ήδη τριάντα οκτώ ετών - έγινε διάσημος, έγινε πλούσιος ... δεν είναι καιρός να σταματήσεις να συνθέτεις; Επιπλέον, αλλαγές συμβαίνουν στην προσωπική του ζωή: χρόνια μετά τον θάνατο της αγαπημένης του συζύγου, γνώρισε μια γυναίκα που θα μπορούσε να πυροδοτήσει την αγάπη στην καρδιά του. Έγινε Giuseppina Strepponi - η σταρ της σκηνής της όπερας, η οποία αναγκάζεται να σκεφτεί το τέλος της σκηνικής της καριέρας λόγω προβλημάτων με τη φωνή της. ολοκλήρωσε τις δραστηριότητες ενός συνθέτη όπερας όταν η σύζυγός του-τραγουδίστρια ολοκλήρωσε τις σκηνικές δραστηριότητές της, και ο Βέρντι σκέφτεται να κάνει το ίδιο, αν και η Giuseppina δεν ήταν η επίσημη σύζυγός του (παντρεύονται μόνο μετά από έντεκα χρόνια γάμου). Όμως ήταν η Τζουζεπίνα που τον απέτρεψε και όχι μάταια! Έρχεται η ώρα για μια γνήσια δημιουργική άνθηση - και δημιουργεί αριστουργήματα: "", "La Traviata", "", "", "Masquerade Ball", "Force of Destiny", "", "". Ο συνθέτης δεν ήταν πάντα τυχερός - το "" αποδοκιμάστηκε στην πρεμιέρα, αποδείχθηκε ότι ήταν πολύ δύσκολο να επιτευχθεί η παραγωγή του "" λόγω ισχυρισμών από τη λογοκρισία και το "", που γράφτηκε για μια παραγωγή στην Αγία Πετρούπολη, προκάλεσε πολύ έντονη αντίδραση, ο λόγος της οποίας δεν ήταν τόσο πολύ η όπερα αυτή καθαυτή, πόσα χρήματα ξοδεύτηκαν για τη σκηνοθεσία της (ενώ ποτέ δεν υπήρχαν αρκετά χρήματα για να ανεβάσουν όπερες Ρώσων συνθετών). Όμως ο χρόνος έβαλε τα πάντα στη θέση του: όλες αυτές οι όπερες μπήκαν στο παγκόσμιο ρεπερτόριο, μεγάλοι τραγουδιστές έλαμψαν και συνεχίζουν να λάμπουν σε αυτές.

Και τώρα - μετά από μια τόσο λαμπρή ακμή - μετά το 1871 ο Βέρντι δεν γράφει ούτε μια όπερα. Είναι αλήθεια ότι το 1874 δημιουργεί, μοιάζοντας περισσότερο με σκηνές όπερας παρά με μάζα - αλλά μόλις το 1886 άρχισε να συνθέτει την όπερα "". Η ομώνυμη όπερα υπήρχε ήδη και γνώρισε επιτυχία, αλλά ο συνθέτης δεν φοβήθηκε «να συμμετάσχει στον αγώνα και να νικηθεί». Ως αποτέλεσμα, ο Βέρντι ωστόσο «κέρδισε»: η επιτυχία αυτού του μουσικού και ψυχολογικού δράματος ξεπέρασε κάθε προσδοκία και τώρα ανεβαίνει ασύγκριτα πιο συχνά από το Otello του Rossini.

Μια άλλη νίκη του "μεγάλου γέρου" ήταν η δημιουργία της όπερας "". Το 1893, πολλά χρόνια μετά την αποτυχία του Ο βασιλιάς για μια ώρα, ο Βέρντι πήρε το ρίσκο να ξαναδείτε το είδος της κωμικής όπερας... πήρε το ρίσκο και κέρδισε! Η εύθυμη όπερα έγινε δεκτή με ενθουσιασμό από το κοινό. Το Falstaff ήταν το τελευταίο έργο του συνθέτη - το 1901, ο Giuseppe Verdi πέθανε.

Μουσικές Εποχές